Русский художник, представитель неофициального искусства.

Родился 15 марта 1934 года в городе Балахна (Горьковской области). Сын Игоря Михайловича и Вероники Александровны Яковлевых. Внук пейзажиста Михаила Яковлева (1880—1941), одного из основателей российского импрессионизма. Сестра — Яковлева Ольга Игоревна. Племянница — Полубояринова (Абросимова) Екатерина Станиславовна. После того как семья в 1944 году переехала в Москву, работал курьером в издательстве «Искусство», посещал мастерскую Василия Ситникова. В 1950-е годы работал ретушёром в издательстве «Искусство» и учился в мастерской художника Василия Ситникова. С 1945 года наблюдался и периодически проходил лечение в психиатрических больницах. В продолжение последних тридцати лет жизни был почти слеп.

В Москве познакомился с художниками Михаилом Гробманом (оставившим записи о нём в своих дневниках), Анатолием Зверевым, поэтом Геннадием Айги (Яковлев делает рисунки к его стихам, в 1966 году создает портрет поэта), композитором и клавесинистом Андреем Волконским (на его квартире проходит в 1959 году выставка работ Яковлева), встречался с чешским теоретиком авангарда Индржихом Халупецким.

В 1963 году была организована первая официальная экспозиция Яковлева в СССР — однодневная выставка совместно с Эдуардом Штейнбергом в Музее Ф. М. Достоевского. За рубежом работы художника были представлены на выставке «Русский авангард в сегодняшней Москве» в Галерее Гмуржинска (Кёльн, 1970) и др.

Яковлев писал преимущественно гуашью по бумаге или оргалиту, предпочитая сдержанные, прохладные тона. Прошёл через период беспредметной живописи (лирического абстракционизма в манере Дж. Поллока), пережил влияние Пикассо. Зрелые вещи художника созданы в русле «новой фигурации» — авангардного течения, вернувшегося от абстракции к предмету, воспринятому с новым драматизмом. Его портреты, натюрморты, а также знаменитые «цветы» впечатляют глубиной одинокого существования в живописном пространстве, скрытой энергией сопротивления.

Работы Владимира Яковлева хранятся во многих российских и зарубежных музеях, в частных коллекциях в России и за рубежом. В 1990—1991 годах работы художника были показаны на выставке «Другое искусство. Москва 1956—1976», организованной ГТГ и ГРМ.

В 1995 году прошла его персональная выставка в Третьяковской Галерее в Москве.

Советский и американский скульптор. Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1995). Член Латвийской академии наук. Участник Великой Отечественной войны.

Эрик Неизвестный учился в школе № 16 Свердловска. С 1939 по 1942 год участвовал во Всесоюзных конкурсах детского творчества. С 1942 года учился в Средней художественной школе при В. А. Х. в Ленинграде (в 1941—1944 годах школа со всем коллективом находилась в эвакуации в Самарканде).

В августе 1942 года был призван в Красную армию. В этот период сменил имя на Эрнст, поскольку имя Эрик «звучало по-детски», однако мать и друзья по-прежнему называли его Эриком. Направлен на обучение курсантом в 1-е Туркестанское пулемётное военное училище (город Кушка, Марыйская область, Туркменистан). После окончания училища в октябре 1943 года младший лейтенант Неизвестный направлен в действующую армию в подразделения десантных войск на только что сформированный 4-й Украинский фронт. 14 марта 1944 года назначен командиром стрелкового взвода 260-го гвардейского стрелкового полка 86-й гвардейской стрелковой дивизии 5-й ударной армии. В дальнейшем в составе дивизии принимал участие во многих боевых операциях 2-го и 3-го Украинских фронтов, в том числе в штурме Будапешта. В конце Великой Отечественной войны 22 апреля 1945 года в Австрии был тяжело ранен (три межпозвоночных диска выбито, семь ушиваний диафрагмы, полное ушивание лёгких, открытый пневмоторакс), объявлен мёртвым и посмертно награждён орденом Красной Звезды, который был ему вручён через 25 лет, и медалью «За отвагу». После ранения три года ходил на костылях, с перебитым позвоночником, принимал морфий, борясь со страшными болями, стал заикаться.

В 1962 году, после конфликта с Никитой Хрущёвым, Неизвестный исключен из Союза художников, лишён мастерской, после чего работал на заводе, литейщиком, каменщиком. Под псевдонимом помогал официальным художникам. В течение года за Неизвестным велась слежка, в последний год пребывания в СССР скульптора избивали на улице, ломали пальцы на руках.

17 июня 1973 года Неизвестный подал документы на выезд в Израиль. 10 марта 1976 года, после трёх лет пребывания в отказниках, скульптор покинул СССР и через Цюрих, Швейцария эмигрировал в США. С 1977 года Эрнст Неизвестный проживал в Нью-Йорке и работал в Колумбийском университете.

В 1996 году был советником по культуре президента РФ Бориса Ельцина.

Свой 80-летний юбилей отпраздновал в России. В последние годы жизни Неизвестный тяжело болел и перенес операцию на головном мозге. О последних годах Неизвестного существуют две версии. По одной версии, которую высказал племянник Неизвестного Андрей Рылов, жена скульптора Анна Грэм била мужа и выгнала из его дома Ольгу Неизвестную, единственную дочь скульптора. По версии ухаживавшей за Неизвестным Тамари Лабадзе, Анна преданно ухаживала за больным мужем.

Неизвестный скончался 9 августа 2016 года в Нью-Йорке, на 92-м году жизни. Отпевание происходило по православному чину в Никольском соборе на Манхеттене. Похоронен в США на Шелтер-Айленд.

Советский и российский художник, представитель ар-брюта.

Родился в 1951 году в Наро-Фоминске, в семье учительницы и директора местной фабрики игрушек. В 14 лет оставил школу, жил случайными заработками. С 1969 занимался в художественной студии при наро-фоминском Доме культуры. Неоднократно пытался поступить в Московское художественное училище имени 1905 года. Попадал в психиатрические лечебницы.

В 1989 году Пурыгин эмигрировал в США. Жил в Нью-Йорке. Сотрудничал с галереей Эдуарда Нахамкина.

Умер 31 мая 1995 года в Москве. Похоронен на Кунцевском кладбище (10 уч.).

Малолетняя дочь художника Евдокия осталась круглой сиротой: незадолго до того её мать, жена Пурыгина Галина, погибла в автокатастрофе. Девочку удочерила семья немецкого журналиста и непрофессионального актёра Норберта Кухинке, который дружил с Леонидом, и его супруги Кати (Катарины) — крестной матери Дуни.

Советский и российский художник-абстракционист. 

Юрий Злотников считается одним из первых абстракционистов периода «оттепели». Системный подход к организации художественного языка выделяет творчество Злотникова на фоне других проявлений абстракционизма в рамках неоавангарда, чем в некоторой степени наследует живописным системам В. В. Кандинского и П. Мондриана. Его работы оказали влияние на развитие российского современного искусства второй половины XX века и начала нынешнего столетия. В начале 60-х разрабатывает «сигнальную систему», в которой сочетал художественный подход и научные методы. 

Родился 23 апреля 1930 года в родильном доме Грауэрмана на Арбате, в семье учёного в области машиностроения Савелия Львовича Злотникова, уроженца Коломны, выпускника МХТИ, и Этели Лейбовны (Львовны) Злотниковой (урождённой Рубинштейн), родом из Кременчуга.

Двоюродный брат поэта Льва Рубинштейна (1947—2024). С 1943 по 1950 год учился в Московской средней художественной школе при Академии художеств СССР. Одновременно занимался в скульптурной студии при музее А. С. Голубкиной под руководством А. И. Григорьева. Слушал лекции в ГМИИ имени А. С. Пушкина, посещает дом Фаворских-Ефимовых. 

С 1951 по 1959 год работал главным художником-дизайнером на ВДНХ в павильоне «Наука». 

1954—1956 гг. — работал в Большом театре в качестве стажёра-декоратора, работает вместе с А.Тышлером, В. Рындиным. И. Рабиновичем, 1961—1979 гг. — руководил детской изостудией Дома пионеров Ленинского района Москвы, 1955—1970 гг. — сотрудничал в качестве книжного иллюстратора в московских издательствах, 1974—1989 гг. — сотрудничал с мастерской эстампа комбината графических искусств МОСХ. 

Член Союза художников СССР с 1974 года. В середине 1950-х годов начал после посещения лекций по кибернетике и математике заниматься абстрактным искусством. 

Его интересы в ближайшем круге единомышленников разделяли художники В. Слепян и Б. Турецкий, в частности, совместно с Владимиром Слепяном проводились так называемые «сеансы одновременной живописи», которые можно назвать наиболее радикальными экспериментами в европейском искусстве тех лет, на стыке беспредметного и перформативного искусства. 

В 1956—1957 годах разрабатывал «Сигнальную систему» в изобразительном искусстве, в рамках которой происходит основательное сближение научной и художественной парадигм. Совместно с психологами он проводил эксперименты, пытаясь понять, как человеческий мозг воспринимает посылаемые картинами сигналы. 

В 1958 году организовал Всесоюзную выставку электросварки в павильоне «Механизация и электрификации сельского хозяйства» на основе «Сигнальной системы». Работы из серии «Сигналы» включены в коллекцию Центра Помпиду. 

С начала 1960-х годов художник увлекался инженерной психологией, промышленным дизайном: делал проекты оформления школы, заводских помещений. 

Занимался преподавательской работой в Московском отделении Союза художников СССР, членом которого стал только в 1972 году. 

В 1960–1980-е годы экспериментировал с фигуративной живописью, впоследствии вернулся к переосмыслению модернистской абстракции и создавал не только живописные работы, но и принты на холсте. 

В 1998 году он получил серебряную медаль Российской Академии Художеств. 

Умер 25 сентября 2016 года в возрасте 86 лет в Москве. 

Ретроспективы Юрия Злотникова были экспонированы в Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Государственном Русском музее, Доме художника (Иерусалим) и др.

Русский художник, живописец и график. Представитель послевоенного неофициального искусства. В 1975 году эмигрировал в Австрию, затем — в США.

Родился в крестьянской семье. В 1921 вместе с семьёй переехал в Москву.

В 1933 учился в Московском судомеханическом техникуме; увлекался изготовлением моделей парусников. Поступить во ВХУТЕМАС в 1935 году не удалось. Работал на строительстве метро, художником-мультипликатором и модельщиком у режиссёра А. Л. Птушко, показывал диапозитивы на лекциях профессоров Художественного института имени В. И. Сурикова (отсюда кличка «Вася-фонарщик»).

Он был признан душевнобольным и направлен на принудительное лечение в Казань. В 1944, вернувшись в столицу, перебивался случайными заработками. В период «оттепели» примкнул к «неофициальному» искусству.

С 1951 года художник много преподавал, осуществив свою мечту о «домашней академии». Со «школой Ситникова» был связан — как прямым ученичеством, так и творческими контактами — целый ряд видных мастеров (В. Г. Вейсберг, Ю. А. Ведерников, М. Д. Стерлигова, А. В. Харитонов и др.).

В 1975 мастер эмигрировал в Австрию, в 1980 — в США. Наиболее ценную часть своей коллекции икон (включая «Спаса из Гавшинки») отдал в Музей древнерусского искусства имени Андрея Рублева. Собственные же его вещи «рассеялись» почти бесследно — не считая репродукций и отдельных работ в музеях (в Нью-Йоркском музее современного искусства, музее Циммерли при Рутгерском университете штата Нью-Джерси и др.).

Умер в Нью-Йорке. Урна с его прахом перевезена родными в Москву и захоронена на Ваганьковском кладбище (уч. 14).

24 мая 2009 в галерее «Наши Художники» в Москве открылась первая персональная выставка произведений Василия Ситникова.

Советский и французский художник, один из основателей неофициальной художественной группы «Лианозово». Один из организаторов «Бульдозерной выставки» (1974). Кавалер ордена Российской академии художеств «За служение искусству» (2013).

Родился 2 января 1928 года в Москве в семье врачей, выпускников Цюрихского университета Якова Рахмиловича Рабина (родом из Украины) и Вероники Мартыновны Андерман (из Латвии). Отец умер, когда будущему художнику было 5 лет, мать — когда ему было 13 лет (1941). В начале сороковых жил в Трубниковском переулке (дом № 24, квартира 16), учился в художественной студии Евгения Кропивницкого, увлёкся романтизмом.

С 1946 по 1948 год учился в Рижской Академии художеств. В этот период придерживался строгого реалистического метода, много работал над натюрмортами. В Академии латышские студенты звали его «наш Репин». В 1948 году Сергей Герасимов принял Рабина на второй курс Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова. В 1949 году был исключён «за буржуазный формализм», после чего возвратился к своему первому учителю Е. Кропивницкому.

Пресса критиковала Рабина за очернение Советского Союза, депрессивность картин, подыгрывание буржуазным критикам социализма.

В 1964 году работы Оскара Рабина впервые были представлены на зарубежной выставке. Это произошло в Лондоне, на групповой выставке «Аспекты современного советского искусства». В 1965 году владелец лондонской Grosvenor Gallery Эрик Эсторик организовал в своей галерее первую персональную выставку Рабина. На ней были представлены 70 работ художника. В это же время Рабин переехал из Лианозова в Москву.

В 1967 году вступил в Горком художников книги, графики и плаката. Принял участие в групповой выставке, подготовленной Александром Глезером на Шоссе Энтузиастов, однако выставку закрыли через два часа после открытия.

В конце 60-х Рабину удалось получить заказы на оформление нескольких поэтических книг («Сохрани весну» Владислава Фатьянова, «Забота» Тамары Жирмунской). В отличие от Эль Лисицкого или Виктора Пивоварова Рабин не смог сделать из иллюстрирования постоянный заработок, хотя неоднократно обращался в издательства в поиске заказов.

В 1969 году Городской комитет КПСС постановил, что любая выставка может быть разрешена только после просмотра руководством МОСХ. Именно тогда Рабин высказал идею выйти с картинами на улицу, вместо того чтобы устраивать официальные выставки. 

Осенью 1974 года Рабин стал инициатором и одним из главных организаторов известной выставки работ художников-нонконформистов в Битцевском лесопарке («Бульдозерная выставка»).

В январе 1977 года Рабина задержали по обвинению в тунеядстве и посадили под домашний арест. После отказа эмигрировать в Израиль заменили домашний арест ночью в КПЗ. Через несколько дней Рабин получил предложение туристической визы в Европу и согласился уехать.

Персональные выставки Рабина проходили в Джерси-сити (1984), после падения Железного занавеса — в Москве (1991), Петербурге (1993) и других городах. Впоследствии он участвовал в юбилейной выставке на Гоголевском бульваре в 1995 году, посвященной 20-летию выставки живописи в павильоне "Пчеловодство" на ВДНХ вместе с Эдуардом Дробицким, Юлией Долгоруковой и другими художниками-нонконформистами.

В 2016—2017 году вошедшая в коллекцию Центра Помпиду картина Оскара Рабина «Эмигрантский натюрморт» (1990) открывала выставку «КОЛЛЕКЦИЯ! Современное искусство в СССР и России: новый дар музею» в Центре Помпиду в Париже. Выставка проходила при поддержке Государственного Русского Музея, в Санкт-Петербурге и Музея АЗ в Москве. На экспозиции были представлены новые произведения из мастерской Рабина, картины из собрания Катерины и Александра Усач, семейства Минчиных, а также из коллекции организатора выставки и директора агентства Russian Day Марка Ивасилевича.

Умер 7 ноября 2018 года во Флоренции накануне собственной выставки «Два пути» во Флорентийском филиале Санкт-Петербургского института живописи. 

Похоронен на кладбище Пер-Лашез.

Дмитрий Михайлович Краснопевцев (1925-1995)


     Русский художник, представитель «неофициального» искусства, называвший свои композиции «метафизическими натюрмортами».

    Сам термин «натюрморт» произошел от французского nature morte, что переводится как «мертвая природа», и Дмитрий Краснопевцев изображает предметы отстраненно, вне времени, лишая их индивидуальности: взору зрителя предстает не сам предмет, но его архетип, идея предмета, незыблемая, вечная, не подверженная смерти и уничтожению. 
  В натюрмортах Краснопевцева соединяются европейская и древнерусская традиции, рождая симбиоз искусства и философии. Его работы, изображающие  существующие вне времени черепки, камни, ветви, нити и свитки напоминают голландские натюрморты ХVII века в жанре vanitas (лат. — суета, неосновательность), содержащие символику бренности бытия: черепа, увядшие цветы, портящиеся фрукты. 

Дмитрий Краснопевцев вырос в районе Остоженки. С детства мальчика окружала атмосфера старины: его дед собирал коллекцию антикварных предметов — книг, монет, камней, раковин. Обширная библиотека привила Дмитрию любовь к чтению, а собрание артефактов — «любовь к предмету», уникальной вещи. Впоследствии художник перевез коллекцию деда в новую квартиру, и сам постоянно пополнял ее интересными предметами, которые находил сам или принимал в дар от друзей. Предметы, которые собирал Краснопевцев, были чрезвычайно разнообразны: книги, камни, керамика, древесные корни, высушенные листья и насекомые, раковины, черепа животных и многое другое.

  Дмитрий получил основательное академическое образование – сначала в училище памяти 1905 года, потом – в суриковском институте, где преуспел в занятиях офортом. Эта старинная техника отсылает к спокойным эпохам классического искусства. Живопись Краснопевцева была, в своих основах, продолжением его офортной деятельности. Ранние работы отражают и увлечение живописца французскими художниками — Дереном, Сезанном, Матиссом. Постепенно работы художника покинули яркие цвета и человеческие образы, он сосредоточился исключительно на изображении предметного мира. В конце 1950-х его внимание окончательно захватил жанр натюрморта.

  Краснопевцев превратился в заметную фигуру в художественной среде нонконформистов, однако он держался в стороне от официальных и неофициальных групп. Окончив училище, Дмитрий Краснопевцев 20 лет работал на «Рекламфильме» художником по афишам.

  Зрелая манера художника сложилась в 1960-х годах. Создание большей части его произведений на 1970–80-е.

 Начав выставляться, Краснопевцев быстро прославился в СССР и за рубежом, его работы приняли участие в наиболее значимых выставках нонконформистов. С 1976 года он стал членом и регулярным участником выставок Горкома художников-графиков на Малой Грузинской, в 1977 году его произведения экспонировались на «диссидентской» биеннале в Венеции. При этом в 1982 году Краснопевцев был принят в Союз художников.

  На знаменитом аукционе «Sotheby’s» в Москве 1988 года в числе прочих были проданы три работы Краснопевцева. В 1992 году последовательно открылись две персональные выставки его произведений: сначала в Центральном доме художника, а потом и в ГМИИ им. А. С. Пушкина. В том же году Краснопевцев стал первым художником — лауреатом негосударственной российской премии «Триумф». В 1994 году работы художника впервые пополнили собрание Пушкинского музея — при ГМИИ открылся Музей личных коллекций, куда Святослав Рихтер подарил часть своей коллекции живописи и графики Краснопевцева.

  Работы художника входят в собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Циммерли в Нью-Джерси, США, а также во многих других музейных и частных коллекциях. За рубежом творчество художника представляют, в частности, ABA Gallery в Нью-Йорке и галерея Sandmann в Берлине.

 Андрей Борисович Гросицкий (1934-2017)

  Андрей Гросицкий – «поэт вещи» в современном искусстве. Сам художник называл свои работы «картинами-объектами», сочетая в них живопись и рельеф. Используя широкий диапазон фактурных приемов, художник придает изображаемым предметам осязаемую выпуклость: живописный объем предстает как объем скульптурного рельефа. Живопись Гросицкого демонстрирует свою осязаемую трехмерность. Один из определяющих элементов художественной системы Гросицкого — активное включение иллюзорного.
Андрей Гросицкий никогда не писал манифестов, не предлагал канона авторских интерпретаций. Живопись для него — не средство, не «медиа», не пассивный материал для манипуляций. Она — само бытие.

  Живопись Гросицкого – это сознательная многослойность, которая живет во времени, как ржавчина на железе, где следы старения все равно следы жизни, а не умирания. Предметы новые, потом потертые, потом деформированные, брошенные и ржавые – это следы жизни со всем сопутствующим ей драматизмом. Главная тема художника – это пограничная ситуация между вчера и завтра.

В 1959 году Андрей Гросицкий окончил МГХИ имени В.И. Сурикова (мастерская Д. К. Мочальского). С 1962 по 1994 год работал педагогом в Заочном Народном университете искусств вместе с Н.Касаткиным, М.Рогинским, Б.Турецким, Е.Измайловым и И.Чуйковым. Это давало ему возможность независимо заниматься искусством. В 1968 году вошел в Московский Союз художников.

  Исходно ситуация Гросицкого-художника определялась увлечением Сезанном, в еще большей мере — опытами адаптации сезанновской системы художниками «Бубнового валета». Отдав дань сезаннизму и метафизическому искусству на протяжении 60-х годов, с начала следующего десятилетия он вырабатывает собственный пластический язык, строящийся на соотношении пространства и предмета. Сам Гросицкий называет переломным 1969 год. Год, говоря словами художника, «отказа от сложной живописности, многоцветия, перехода к более лаконичному пластическому языку».

С 1990-х годов Андрей Гросицкий начинает использовать фактурную живопись, применяя неживописные материалы, с помощью которых художник нарушает живописную поверхность и "выходит" за пределы формата.

  Работы Андрея Гросицкого находятся в Jane Voorhees Zimmerli Art Museum at Rutgers University (Нью-Брансуик, Нью-Джерси, США), Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Музее ART4 (Москва), Государственном Русском музее и других собраниях.

Игорь Александрович Вулох  (1938-2012) — признанный художник-нонконформист поколения «шестидесятников».

  В отличие от многих нонконформистов, Игорь Вулох не стремился в своих работах отразить политические реалии, грусть социального бытия, ломку устоев и невыносимое человеческое одиночество. Его нонконформизм – эстетический. Не являясь художником-концептуалистом, он оказался в стороне от неофициальных художественных объединений, разработав собственный, уникальный визуальный язык. Единым взглядом охватывая суть природы и момента, художник в полной мере отражал ее на полотне, используя минимум художественных средств. 

 Визуальная составляющая его работ – композиция, цвет, структура, пространство – имеет приоритет над смыслообразующей. Он не высказывается, не пишет манифестов, но как истинный живописец переносит на полотно образы реальных предметов материального мира, их эмоциональную составляющую, совокупность ощущений. В его картинах нет конфликта форм и цвета. Это гармоничные ритмические системы, выстроенные на игре света и фактуры, плоскости и рельефа. Художник не называл свои картины абстракциями, он использовал термин «медитативная условность». 

Игорь Вулох родился в Казани. Детство его выпало на годы Великой отечественной войны. Когда в 1942-ом году его отец погиб на фронте, а мать оказалась в больнице, четырехлетним ребенком он попал в детский дом как беспризорник. Матери удалось разыскать его лишь спустя несколько лет после войны.

В 1953 году Игорь Вулох поступил в Казанское художественное училище. Его первым наставником стал Виктор Подгурский, профессор Шанхайской академии искусств, вернувшийся в 1947 году из Китая; он познакомил Вулоха с восточной философией и принципами традиционной азиатской живописи.В 1958 году  Вулох поступает на художественный факультет ВГИК; учеба обеспечила художнику тесную связь с миром литературы и искусства.Игорю Вулоху повезло со временем и друзьями: в своё время помощь ему оказали Сергей Конёнков, Константин Юон, Георгий Нисский. Большое влияние на становление личности и творчество оказали Василий Шукшин, Анатолий Зверев, Вячеслав Клыков, Наталья Туколкина-Охота.

В 1968 году Игорь Вулох приступил к созданию первой серии «белых произведений», положивших начало «Белому периоду», с окончательным уходом в свет, рельеф и бесконечность. В собрании фонда «Прометей» находится целый ряд работ, относящихся к началу 70-х годов.Цвет зимы надолго стал доминировать в его живописи как отражение чистоты природы, сдержанности красок и как белый лист духовного пространства. Часть этих работ имеет двойную датировку — художник вернулся к ним и завершил свои эстетические поиски через двадцать лет (в том числе «Светлая композиция» 1972-92 г. из собрания ММСИ). 

В коллекции фонда «Прометей» представлены все основные периоды творчества мастера, начиная с ранних, ещё фигуративных работ начала 1960-х, обещавших рождение талантливого мастера реалистического плана (работавшего в традициях Н. Фешина), до поздних живописных полотен 2000-х годов, когда художник вновь обратился к живой экспрессии и цвету после продолжительного периода минимализма и экспериментов, растянувшегося в его карьере на десятки лет и получившего название «белого Вулоха».

Графика мастера из собрания фонда — ряд насыщенных цветом абстрактных композиций на бумаге, датированных 1997 годом. Они как бы несут в себе световой источник, создавая эффект многослойности, воздушности и вызывают вполне конкретные образы, например, смены времен года. «Искусство я отношу к товару, который человеку жизненно необходим. Оно протянет тебе руки, когда ты захочешь броситься вниз», — говорил Игорь Вулох, и следовал своей формуле о высоком предназначении искусства всю свою творческую жизнь, не изменяя своим взглядам, чтобы не происходило.

Работы И. Вулоха хранятся в Третьяковской галерее и Русском музее, в известных частных коллекциях, выставлялись на аукционах Сотбис и МакДуггалл, аукционном доме Егоровых и Бруун Расмуссен в Дании, а в Скандинавии до сегодняшнего дня даже существует целая школа его последователей.

Борис Петрович Свешников (1927-1998)

  Творческий путь этого художника-графика, иллюстратора, живописца поколения «шестидесятников» отличается закономерной целостной эволюцией. Все творческие периоды художника объединяет мотив постоянного присутствия смерти как вечной категории.

  
  «Глубокая уверенность в существовании за миром материальным иного, высшего смысла выявляет родство искусства Свешникова с мировоззрением русского символизма… Все творческое наследие Свешникова можно рассматривать как один трагический текст, раскрывающий его мировоззрение», — пишет о художнике искусствовед Анна Чудецкая.

Отец художника происходил из дворянской семьи и до революции мечтал стать священником, позже работал бухгалтером. Мать родилась в многодетной семье заводского механика. Дар рисовальщика у Бориса проявился рано, школой ему послужили Пушкинский музей и семейная библиотека, особенно книги об искусстве Северного Возрождения.

  В конце 1944 года Борис Свешников поступил в Московский институт прикладного и декоративного искусства, однако закончить обучение ему не удалось. Зимой 1946 года он был арестован по ложному обвинению в «антисоветской пропаганде», провел год в тюрьме и был приговорен к работам в лагере строгого режима. В лагерях ГУЛАГа Борис Свешников провел восемь лет. 
Во время пребывания в лагере Свешниковым были созданы сотни рисунков и десятки живописных произведений. Работы переправлялись в Москву, к родителям художника. Этот цикл рисунков получил название «Лагерная сюита». Сам художник соотносил свои лагерные рисунки с образами сновидений, предварив их эпиграфом из Шекспира: «Мы сами созданы из сновидений, и эту нашу маленькую жизнь сон окружает...»

  После освобождения из лагеря в 1954 году художник два года прожил в Тарусе, городке, ставшим пристанищем для тех, кому было запрещено жить в больших городах. Соседом Свешникова оказался Аркадий Акимович Штейнберг, также вернувшийся из лагеря. Впоследствии Штейнберг помог художнику получить работу иллюстратора в издательстве «Художественная литература».
  В 1956 Борис Свешников был реабилитирован, и вернулся в Москву. Не примыкая ни к официальному кругу, ни к сообществу нонконформистов, художник смог реализовать свой дар рисовальщика и живописца. С 1958 он был членом Союза художников СССР. В этом же году он впервые экспонировал свои работы на выставке «ЭКСПО-58» в Брюсселе. В 1959 принял участие в 5-й выставке произведений молодых художников Москвы, в 1961 — в выставке произведений московских художников в Народном театре в Тарусе. С 1969 года Свешников активно принимал участие в групповых выставках по всему миру, представлял и свои персональные экспозиции.

  Работы Свешникова хранятся в Музее русского искусства в Джерси-сити и Музее Циммерли университета Рутгерса (штат Нью-Джерси, США), а также в собрании общества «Мемориал», Государственном центре современного искусства и других коллекциях.