Один из лидеров русского «неофициального искусства» середины ХХ века, создатель теории «всеобщей контактности» и руководитель школы живописи – всех этих слов достоин Элий Михайлович Белютин (1925-2012), человек, изменивший взгляд на искусство.
В своём творчестве Белютин проделал путь от абстрактного экспрессионизма ранних лет до сугубо схематичного письма позднего периода. Элий Михайлович создал свой уникальный художественный стиль – «модульную живопись», то есть язык символов. «Модули» отображают ощущения от предмета на плоскости и их взаимодействие в пространстве, выстраивают при помощи ярких и чётких символов нарратив в абстракции, напоминая визуальное отражение гештальт-теории.
Элий Михайлович Белютин родился 10 июня 1925 года в Москве в семье писателя. Он с детства проявлял любовь к искусству, успешно окончил Московский художественный институт имени В.И.Сурикова, где в 1942–1947 учился у А.В.Лентулова, П.В.Кузнецова и Л.А.Бруни. Затем он занимался в аспирантуре на кафедре живописи и рисунка Московского Педагогического института, а с 1950 года сам начал преподавать в различных учебных заведениях и студиях.
Элий Михайлович руководил «Экспериментальной студией живописи и графики» при Горкоме художников книги и графики, у которой был арендован зал для занятий в Доме учителя на Большой Коммунистической улице. Именно здесь зародилась студия «Новая реальность». Педагогические методики и упражнения Белютина поражают своей разработанностью и тонким психологическим подходом. Это помогло раскрыться таланту многих учеников, а в начале 60-х годов его деятельность привлекла к себе внимание иностранных журналистов.
В ноябре 1962 года Э.М. Белютин принял участие в организации в Манеже выставки, посвященной тридцатилетию Московского отделения Союза художников СССР.
1 декабря 1962 года эту выставку посетил Н.С. Хрущев, который возмутился произведениями авангардистского толка. Этот скандал сделал Э.М. Белютина известным, его картины стали экспонироваться за рубежом. Белютин создал теорию «всеобщей контактности», которая сводится к анализу потребности человека в искусстве. Художник имеет в виду, что у людей, независимо от того, как они относятся к современному искусству, есть потребность в контакте с ним, но осуществляется она у каждого человека по-разному. Один из аспектов всеобщей контактности — это так называемый «закон равновесия эмоционального надсознания». Его суть в том, что человек обращается к искусству, стремясь придать равновесие своему подсознательному напряжению, которое возникает под воздействием динамики современной жизни. Что же имел ввиду Белютин, говоря про контактность в искусстве? Это овеществление творческой потенции в нечто пластическое по концепциям своего времени. Говоря другими словами – перевоплощение жизненной реакции человека в некое материальное качество, способное передавать эмоции, переживания художника.
По словам Элия Михайловича, искусство не может конкурировать с наукой. Искусство - это человеческая жизнь, создание пластического духовного воздействия, идентичного силе воздействия действительности. Иначе говоря, искусство - это жизнь человека в жизни, наука же - это изучение жизни человека в окружающей его действительности. Теория контактности Белютина исходит из того, что искусство – самая яркая форма проявления творческой потенции, тот атомный взрыв, который происходит в надсознании человека и составляет существо искусства. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — это творческий принцип художников «Новой реальности». В их произведениях человеческие чувства обретают форму пластических символов.
Элий Михайлович Белютин скончался на 86-м году жизни.
Художник оставил заметный след в живописи, был известен как в России, так и за пределами страны.
Гриша (Григорий Давидович) Брускин (род. 1945)
Скульптор, живописец, график и литератор. Вошел в круг художников неофициальной волны как выразитель еврейской культуры в постмодернизме. В творчестве Гриши Брускина зритель сталкивается с двумя темами, одна из них связана с мифом об иудаизме, другая — с коммунистическим. Художник создает образы-фантомы, возникающие словно из сна, напоминающие гипсовые фигуры в традициях социалистического реализма.
«Брускин - художник, обладающий исключительной интуицией, конструирующий свой мир и умеющий через свои произведения поднять важнейшие проблемы, всегда волновавшие человечество, и подать их в форме, которая опирается на невероятную эрудицию и интеллект. При этом с особенной, присущей только ему изобретательностью, креативностью, умением сочетать высокое и низкое, возвышенное и ироничное. Художник, способный привести зрителя в состояние эмоционального потрясения, заставить испытать катарсис, высшую степень эстетического переживания. А это, наверное, самое важное, что с нами может сделать искусство», — пишет о художнике Зельфира Трегулова.
Гриша Брускин родился в 1945 году в Москве. В 1968 году окончил художественное отделение Московского текстильного института.
В 1988 году на прошедшем в Москве аукционе Sotheby’s его работа «Фундаментальный лексикон», впервые представленная в 1987 году на выставке «Художник и современность» в выставочном зале «На Каширке», была продана за рекордно высокую цену.
Скульптурный проект Гриши Брускина «Время Ч», вошедший в коллекцию фонда «Прометей», стал лауреатом премии Кандинского в номинации «Проект года» в 2012 году.
Темой скульптурного проекта “Время Ч” является миф о враге во всех его ипостасях: враждебное государство, классовый враг; враг подсознания, "другое" как враг, "неизвестное" как враг, Время, Кронос. Смерть в качестве врагов. Враг рода человеческого и т.д. Задача художника - проанализировать, как создается и мифологизируется образ врага. И, наоборот, как создаются и мифологизируются праведный воин и праведное воинство: от простого солдата до святого воителя. И как святой воитель превращается в Противника.
Отправной точкой для данной работы явились советские плакаты по Гражданской обороне, которые в пору детства художника окружали человека в общественных местах. На плакатах были изображены гипотетические моменты жизни, которую советский гражданин должен проживать, когда настанет "Время Ч", когда враг нападет на нас. Это был свод правил в картинках, генеральная инструкция. Библейские заповеди. В детстве эти картинки производили на художника сильнейшее впечатление.
Работы Гриши Брускина находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного музея изобразительных искусства имени А.С. Пушкина, Музее Людвига (Кельн), Государственных музеях Берлина, Музее современного искусства (Нью-Йорк), Музее Зиммерли университета Ратгерс (Нью-Брансвик), Музее еврейской культуры (Нью-Йорк) и др., во многих частных собраниях в России и за рубежом.
Художник живет и работает в Нью-Йорке и Москве.
Российский художник-импрессионист, живописец, участник всесоюзных и республиканских картинных выставок.
Тяга к рисованию у Арона появилась в довольно раннем возрасте. Уже в 14 лет Арон начал заниматься в Доме художественного воспитания детей Советского района Москвы
Арон Бух писал только то, что любит — цветы, обнаженных женщин, лес и старую Москву. Но больше всего — свою жену Майю.
Затем Арон Бух увлекся импрессионизмом и постимпрессионизмом.
Арон Бух выработал свою, собственную манеру создания картин. Он считал себя неповторимым, уникальным явлением.
Творчество московского художника Арона Буха известно ценителям искусства во всём мире: его работы — в коллекции испанской королевы, а в США его окрестили «русским Ван Гогом». Составляющие неповторимого стиля Арона Буха — яркая палитра чистых цветов и пастозная манера живописи
Скульптор, график, живописец, художник книги, театральный художник, реставратор.
Советский художник и теоретик искусства, один из видных мастеров «неофициального искусства». Сын педагога и психолога Г. П. Вейсберга (1884—1942).
В 1920-е годы отец, знающий немецкий язык, заинтересовывается идеями З. Фрейда, производя попытки их внедрения в советский строй. Позже, из Наркомпросса, где он работал под покровительством О. Шмидта, его перевели на преподавательскую работу, где он также смог проявить себя как редактор педагогического журнала «Советская педагогика».
Мать, Мария Яковлевна, из сибирской семьи Бурцевых, — библиотекарь в Институте труда и гигиены. Во время Великой Отечественной войны В. Вейсберг хотел попасть на фронт, но был отправлен на выкапывание противотанковых окопов. Во время одной из бомбежек Вейсберга сильно контузило, что стало причиной дальнейшего обращения к невропатологу. Позже художник не единожды ложился в больницу.
С 1943 по 1948 год учился в студии ВЦСПС у художника С. Н. Ивашева-Мусатова, позднее ходил в мастерскую А. А. Осмеркина, где ранее преподавал живопись И. И. Машков. Посещал «домашнюю академию» В. Я. Ситникова.
В 1946 году Художественный институт им. В. И. Сурикова возобновил академические занятия. В первый послевоенный набор В. Вейсберг не прошел по конкурсу.
С 1959 по 1984 год преподавал живопись в студии Института повышения квалификации Союза архитекторов СССР, с 1964 по 1966 преподавал на Курсах телевидения Москвы.
С 1961 года — член Союза художников СССР. Участник группы «Восемь». Первая персональная выставка в СССР состоялась уже после кончины художника — в 1988 году. Большая часть работ Вейсберга находится за границей в частных собраниях.
Владимир Григорьевич Вейсберг умер в Москве 1 января 1985 года.
Похоронен в Москве, на Введенском кладбище, участок № 11.
Русский художник, один из классиков второй волны русского авангарда.
Игорь Александрович Вулох (1938-2012) — признанный художник-нонконформист поколения «шестидесятников».
В отличие от многих нонконформистов, Игорь Вулох не стремился в своих работах отразить политические реалии, грусть социального бытия, ломку устоев и невыносимое человеческое одиночество. Его нонконформизм – эстетический. Не являясь художником-концептуалистом, он оказался в стороне от неофициальных художественных объединений, разработав собственный, уникальный визуальный язык. Единым взглядом охватывая суть природы и момента, художник в полной мере отражал ее на полотне, используя минимум художественных средств.
Визуальная составляющая его работ – композиция, цвет, структура, пространство – имеет приоритет над смыслообразующей. Он не высказывается, не пишет манифестов, но как истинный живописец переносит на полотно образы реальных предметов материального мира, их эмоциональную составляющую, совокупность ощущений. В его картинах нет конфликта форм и цвета. Это гармоничные ритмические системы, выстроенные на игре света и фактуры, плоскости и рельефа. Художник не называл свои картины абстракциями, он использовал термин «медитативная условность».
Игорь Вулох родился в Казани. Детство его выпало на годы Великой отечественной войны. Когда в 1942-ом году его отец погиб на фронте, а мать оказалась в больнице, четырехлетним ребенком он попал в детский дом как беспризорник. Матери удалось разыскать его лишь спустя несколько лет после войны.
В 1953 году Игорь Вулох поступил в Казанское художественное училище. Его первым наставником стал Виктор Подгурский, профессор Шанхайской академии искусств, вернувшийся в 1947 году из Китая; он познакомил Вулоха с восточной философией и принципами традиционной азиатской живописи.В 1958 году Вулох поступает на художественный факультет ВГИК; учеба обеспечила художнику тесную связь с миром литературы и искусства.Игорю Вулоху повезло со временем и друзьями: в своё время помощь ему оказали Сергей Конёнков, Константин Юон, Георгий Нисский. Большое влияние на становление личности и творчество оказали Василий Шукшин, Анатолий Зверев, Вячеслав Клыков, Наталья Туколкина-Охота.
В 1968 году Игорь Вулох приступил к созданию первой серии «белых произведений», положивших начало «Белому периоду», с окончательным уходом в свет, рельеф и бесконечность. В собрании фонда «Прометей» находится целый ряд работ, относящихся к началу 70-х годов.Цвет зимы надолго стал доминировать в его живописи как отражение чистоты природы, сдержанности красок и как белый лист духовного пространства. Часть этих работ имеет двойную датировку — художник вернулся к ним и завершил свои эстетические поиски через двадцать лет (в том числе «Светлая композиция» 1972-92 г. из собрания ММСИ).
В коллекции фонда «Прометей» представлены все основные периоды творчества мастера, начиная с ранних, ещё фигуративных работ начала 1960-х, обещавших рождение талантливого мастера реалистического плана (работавшего в традициях Н. Фешина), до поздних живописных полотен 2000-х годов, когда художник вновь обратился к живой экспрессии и цвету после продолжительного периода минимализма и экспериментов, растянувшегося в его карьере на десятки лет и получившего название «белого Вулоха».
Графика мастера из собрания фонда — ряд насыщенных цветом абстрактных композиций на бумаге, датированных 1997 годом. Они как бы несут в себе световой источник, создавая эффект многослойности, воздушности и вызывают вполне конкретные образы, например, смены времен года. «Искусство я отношу к товару, который человеку жизненно необходим. Оно протянет тебе руки, когда ты захочешь броситься вниз», — говорил Игорь Вулох, и следовал своей формуле о высоком предназначении искусства всю свою творческую жизнь, не изменяя своим взглядам, чтобы не происходило.
Работы И. Вулоха хранятся в Третьяковской галерее и Русском музее, в известных частных коллекциях, выставлялись на аукционах Сотбис и МакДуггалл, аукционном доме Егоровых и Бруун Расмуссен в Дании, а в Скандинавии до сегодняшнего дня даже существует целая школа его последователей.
Андрей Борисович Гросицкий (1934-2017)
Андрей Гросицкий – «поэт вещи» в современном искусстве. Сам художник называл свои работы «картинами-объектами», сочетая в них живопись и рельеф. Используя широкий диапазон фактурных приемов, художник придает изображаемым предметам осязаемую выпуклость: живописный объем предстает как объем скульптурного рельефа. Живопись Гросицкого демонстрирует свою осязаемую трехмерность. Один из определяющих элементов художественной системы Гросицкого — активное включение иллюзорного.
Андрей Гросицкий никогда не писал манифестов, не предлагал канона авторских интерпретаций. Живопись для него — не средство, не «медиа», не пассивный материал для манипуляций. Она — само бытие.
Живопись Гросицкого – это сознательная многослойность, которая живет во времени, как ржавчина на железе, где следы старения все равно следы жизни, а не умирания. Предметы новые, потом потертые, потом деформированные, брошенные и ржавые – это следы жизни со всем сопутствующим ей драматизмом. Главная тема художника – это пограничная ситуация между вчера и завтра.
В 1959 году Андрей Гросицкий окончил МГХИ имени В.И. Сурикова (мастерская Д. К. Мочальского). С 1962 по 1994 год работал педагогом в Заочном Народном университете искусств вместе с Н.Касаткиным, М.Рогинским, Б.Турецким, Е.Измайловым и И.Чуйковым. Это давало ему возможность независимо заниматься искусством. В 1968 году вошел в Московский Союз художников.
Исходно ситуация Гросицкого-художника определялась увлечением Сезанном, в еще большей мере — опытами адаптации сезанновской системы художниками «Бубнового валета». Отдав дань сезаннизму и метафизическому искусству на протяжении 60-х годов, с начала следующего десятилетия он вырабатывает собственный пластический язык, строящийся на соотношении пространства и предмета. Сам Гросицкий называет переломным 1969 год. Год, говоря словами художника, «отказа от сложной живописности, многоцветия, перехода к более лаконичному пластическому языку».
С 1990-х годов Андрей Гросицкий начинает использовать фактурную живопись, применяя неживописные материалы, с помощью которых художник нарушает живописную поверхность и "выходит" за пределы формата.
Работы Андрея Гросицкого находятся в Jane Voorhees Zimmerli Art Museum at Rutgers University (Нью-Брансуик, Нью-Джерси, США), Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Музее ART4 (Москва), Государственном Русском музее и других собраниях.
Советский художник-авангардист и график.
Родился 3 ноября 1931 года в Москве в Сокольниках в семье инвалида гражданской войны, мать — рабочая. Учился в школе рисованию на уроках художника-графика Николая Васильевича Синицына (ученика А. П. Остроумовой-Лебедевой). Далее поступил в художественное ремесленное училище. На экзамене получил высокий разряд — маляра-альфрейщика (маляра по художественной отделке). Работал в доме пионеров, потом в парке «Сокольники». Прослужил на флоте восемь месяцев, демобилизовался по болезни.
В 1954 поступил в Московское областное художественное училище памяти 1905 года, откуда вскоре был исключен за богемно-анархическое поведение. Зверев был женат два раза. В 1957 году он женился на Людмиле Назаровой, «смешливой, курносой Люсе». У них родились сын Михаил и дочь Вера. Семейная жизнь длилась недолго. Зверев почти не видел своих детей. Свой бездомный образ жизни он объяснял тем, что жить он мог только у матери в однокомнатной квартире, а дом этот был ему не люб. Поэтому появлялся он там крайне редко, а ночевал у друзей, знакомых, собутыльников и вообще где придется. Одевался в то, что дадут. Участник квартирных выставок 1959—1962 годов. Первая зарубежная персональная выставка Анатолия Зверева состоялась в 1965 году в парижской галерее «Motte» по инициативе Игоря Маркевича.
В 1957 году гравюры Анатолия Зверева экспонируются на Молодёжной выставке в Москве, устроенной к VI Международному фестивалю молодежи и студентов, в 1959 году репродукции его картин на своих страницах поместил американский новостной журнал «Life», а в 1961 году три зверевские акварели приобретает Нью-Йоркский музей современного искусства. Зверева выставляют в Нью-Йорке, Париже, Копенгагене, Вене, Лондоне, Брюсселе.
На родине единственная прижизненная персональная выставка состоялась в 1984 году в Горкоме графиков. Семнадцать лет сожительствовал с вдовой Николая Асеева — Ксенией Михайловной Синяковой (1892—1985), которая была его старше на 39 лет, до самой её смерти в 1985 году. Это ей посвящено стихотворение Асеева «За косы её золотые, за плечи её молодые». Велимир Хлебников посвятил ей пятую часть поэмы «Синие оковы», так как она одна из пяти сестёр Синяковых («И жемчуг северной Печоры / Таили ясных глаз озёра…»). Cкончался при не совсем ясных обстоятельствах в возрасте пятидесяти пяти лет. По словам его друга — художника Сергея Пахомова, Зверев в последние годы жизни злоупотреблял спиртными напитками и «умер от того, что не смог приобрести спиртного на опохмелку» (в Москве тогда были проблемы с приобретением спиртных напитков по причине антиалкогольной кампании).
Похоронен на Долгопрудненском кладбище.
Творческое наследие Анатолия Зверева насчитывает более 30 тысяч работ. Разнообразие обстоятельств создания работ художника, материалов при этом использованных и смешение школ делает затруднительным достоверную искусствоведческую экспертизу для отделения настоящих работ от подделок, присутствующих на рынке. В этих условиях «знаточество» становится единственным способом работы с наследием А. Т. Зверева. Зверев одним из первых советских художников усвоил художественные уроки Джексона Поллока; во многих отношениях был близок к ташизму.
С середины 1950-х гг. «основным спонсором, коллекционером и пропагандистом» Зверева был Георгий Костаки, считавший его первым русским экспрессионистом. Апологеты Зверева утверждают, что сам Пикассо отзывался о нём как о великом русском рисовальщике, а Роберт Фальк пафосно заявлял, что каждое прикосновение его кисти священно.
В 2013 году в Москве был открыт частный Музей АZ (Анатолия Зверева).
Советский и российский художник-абстракционист.
Юрий Злотников считается одним из первых абстракционистов периода «оттепели». Системный подход к организации художественного языка выделяет творчество Злотникова на фоне других проявлений абстракционизма в рамках неоавангарда, чем в некоторой степени наследует живописным системам В. В. Кандинского и П. Мондриана. Его работы оказали влияние на развитие российского современного искусства второй половины XX века и начала нынешнего столетия. В начале 60-х разрабатывает «сигнальную систему», в которой сочетал художественный подход и научные методы.
Родился 23 апреля 1930 года в родильном доме Грауэрмана на Арбате, в семье учёного в области машиностроения Савелия Львовича Злотникова, уроженца Коломны, выпускника МХТИ, и Этели Лейбовны (Львовны) Злотниковой (урождённой Рубинштейн), родом из Кременчуга.
Двоюродный брат поэта Льва Рубинштейна (1947—2024). С 1943 по 1950 год учился в Московской средней художественной школе при Академии художеств СССР. Одновременно занимался в скульптурной студии при музее А. С. Голубкиной под руководством А. И. Григорьева. Слушал лекции в ГМИИ имени А. С. Пушкина, посещает дом Фаворских-Ефимовых.
С 1951 по 1959 год работал главным художником-дизайнером на ВДНХ в павильоне «Наука».
1954—1956 гг. — работал в Большом театре в качестве стажёра-декоратора, работает вместе с А.Тышлером, В. Рындиным. И. Рабиновичем, 1961—1979 гг. — руководил детской изостудией Дома пионеров Ленинского района Москвы, 1955—1970 гг. — сотрудничал в качестве книжного иллюстратора в московских издательствах, 1974—1989 гг. — сотрудничал с мастерской эстампа комбината графических искусств МОСХ.
Член Союза художников СССР с 1974 года. В середине 1950-х годов начал после посещения лекций по кибернетике и математике заниматься абстрактным искусством.
Его интересы в ближайшем круге единомышленников разделяли художники В. Слепян и Б. Турецкий, в частности, совместно с Владимиром Слепяном проводились так называемые «сеансы одновременной живописи», которые можно назвать наиболее радикальными экспериментами в европейском искусстве тех лет, на стыке беспредметного и перформативного искусства.
В 1956—1957 годах разрабатывал «Сигнальную систему» в изобразительном искусстве, в рамках которой происходит основательное сближение научной и художественной парадигм. Совместно с психологами он проводил эксперименты, пытаясь понять, как человеческий мозг воспринимает посылаемые картинами сигналы.
В 1958 году организовал Всесоюзную выставку электросварки в павильоне «Механизация и электрификации сельского хозяйства» на основе «Сигнальной системы». Работы из серии «Сигналы» включены в коллекцию Центра Помпиду.
С начала 1960-х годов художник увлекался инженерной психологией, промышленным дизайном: делал проекты оформления школы, заводских помещений.
Занимался преподавательской работой в Московском отделении Союза художников СССР, членом которого стал только в 1972 году.
В 1960–1980-е годы экспериментировал с фигуративной живописью, впоследствии вернулся к переосмыслению модернистской абстракции и создавал не только живописные работы, но и принты на холсте.
В 1998 году он получил серебряную медаль Российской Академии Художеств.
Умер 25 сентября 2016 года в возрасте 86 лет в Москве.
Ретроспективы Юрия Злотникова были экспонированы в Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Государственном Русском музее, Доме художника (Иерусалим) и др.
Русский художник, представитель «неофициального» искусства, называвший свои композиции «метафизическими натюрмортами».
Сам термин «натюрморт» произошел от французского nature morte, что переводится как «мертвая природа», и Дмитрий Краснопевцев изображает предметы отстраненно, вне времени, лишая их индивидуальности: взору зрителя предстает не сам предмет, но его архетип, идея предмета, незыблемая, вечная, не подверженная смерти и уничтожению.
В натюрмортах Краснопевцева соединяются европейская и древнерусская традиции, рождая симбиоз искусства и философии. Его работы, изображающие существующие вне времени черепки, камни, ветви, нити и свитки напоминают голландские натюрморты ХVII века в жанре vanitas (лат. — суета, неосновательность), содержащие символику бренности бытия: черепа, увядшие цветы, портящиеся фрукты.
Дмитрий Краснопевцев вырос в районе Остоженки. С детства мальчика окружала атмосфера старины: его дед собирал коллекцию антикварных предметов — книг, монет, камней, раковин. Обширная библиотека привила Дмитрию любовь к чтению, а собрание артефактов — «любовь к предмету», уникальной вещи. Впоследствии художник перевез коллекцию деда в новую квартиру, и сам постоянно пополнял ее интересными предметами, которые находил сам или принимал в дар от друзей. Предметы, которые собирал Краснопевцев, были чрезвычайно разнообразны: книги, камни, керамика, древесные корни, высушенные листья и насекомые, раковины, черепа животных и многое другое.
Дмитрий получил основательное академическое образование – сначала в училище памяти 1905 года, потом – в суриковском институте, где преуспел в занятиях офортом. Эта старинная техника отсылает к спокойным эпохам классического искусства. Живопись Краснопевцева была, в своих основах, продолжением его офортной деятельности. Ранние работы отражают и увлечение живописца французскими художниками — Дереном, Сезанном, Матиссом. Постепенно работы художника покинули яркие цвета и человеческие образы, он сосредоточился исключительно на изображении предметного мира. В конце 1950-х его внимание окончательно захватил жанр натюрморта.
Краснопевцев превратился в заметную фигуру в художественной среде нонконформистов, однако он держался в стороне от официальных и неофициальных групп. Окончив училище, Дмитрий Краснопевцев 20 лет работал на «Рекламфильме» художником по афишам.
Зрелая манера художника сложилась в 1960-х годах. Создание большей части его произведений на 1970–80-е.
Начав выставляться, Краснопевцев быстро прославился в СССР и за рубежом, его работы приняли участие в наиболее значимых выставках нонконформистов. С 1976 года он стал членом и регулярным участником выставок Горкома художников-графиков на Малой Грузинской, в 1977 году его произведения экспонировались на «диссидентской» биеннале в Венеции. При этом в 1982 году Краснопевцев был принят в Союз художников.
На знаменитом аукционе «Sotheby’s» в Москве 1988 года в числе прочих были проданы три работы Краснопевцева. В 1992 году последовательно открылись две персональные выставки его произведений: сначала в Центральном доме художника, а потом и в ГМИИ им. А. С. Пушкина. В том же году Краснопевцев стал первым художником — лауреатом негосударственной российской премии «Триумф». В 1994 году работы художника впервые пополнили собрание Пушкинского музея — при ГМИИ открылся Музей личных коллекций, куда Святослав Рихтер подарил часть своей коллекции живописи и графики Краснопевцева.
Работы художника входят в собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Циммерли в Нью-Джерси, США, а также во многих других музейных и частных коллекциях. За рубежом творчество художника представляют, в частности, ABA Gallery в Нью-Йорке и галерея Sandmann в Берлине.