Один из лидеров русского «неофициального искусства» середины ХХ века, создатель теории «всеобщей контактности» и руководитель школы живописи – всех этих слов достоин Элий Михайлович Белютин (1925-2012), человек, изменивший взгляд на искусство.

В своём творчестве Белютин проделал путь от абстрактного экспрессионизма ранних лет до сугубо схематичного письма позднего периода. Элий Михайлович создал свой уникальный художественный стиль – «модульную живопись», то есть язык символов. «Модули» отображают ощущения от предмета на плоскости и их взаимодействие в пространстве, выстраивают при помощи ярких и чётких символов нарратив в абстракции, напоминая визуальное отражение гештальт-теории. 

Элий Михайлович Белютин родился 10 июня 1925 года в Москве в семье писателя. Он с детства проявлял любовь к искусству, успешно окончил Московский художественный институт имени В.И.Сурикова, где в 1942–1947 учился у А.В.Лентулова, П.В.Кузнецова и Л.А.Бруни. Затем он занимался в аспирантуре на кафедре живописи и рисунка Московского Педагогического института, а с 1950 года сам начал преподавать в различных учебных заведениях и студиях. 

Элий Михайлович руководил «Экспериментальной студией живописи и графики» при Горкоме художников книги и графики, у которой был арендован зал для занятий в Доме учителя на Большой Коммунистической улице. Именно здесь зародилась студия «Новая реальность». Педагогические методики и упражнения Белютина поражают своей разработанностью и тонким психологическим подходом. Это помогло раскрыться таланту многих учеников, а в начале 60-х годов его деятельность привлекла к себе внимание иностранных журналистов. 

В ноябре 1962 года Э.М. Белютин принял участие в организации в Манеже выставки, посвященной тридцатилетию Московского отделения Союза художников СССР. 

1 декабря 1962 года эту выставку посетил Н.С. Хрущев, который возмутился произведениями авангардистского толка. Этот скандал сделал Э.М. Белютина известным, его картины стали экспонироваться за рубежом. Белютин создал теорию «всеобщей контактности», которая сводится к анализу потребности человека в искусстве. Художник имеет в виду, что у людей, независимо от того, как они относятся к современному искусству, есть потребность в контакте с ним, но осуществляется она у каждого человека по-разному. Один из аспектов всеобщей контактности — это так называемый «закон равновесия эмоционального надсознания». Его суть в том, что человек обращается к искусству, стремясь придать равновесие своему подсознательному напряжению, которое возникает под воздействием динамики современной жизни. Что же имел ввиду Белютин, говоря про контактность в искусстве? Это овеществление творческой потенции в нечто пластическое по концепциям своего времени. Говоря другими словами – перевоплощение жизненной реакции человека в некое материальное качество, способное передавать эмоции, переживания художника. 

По словам Элия Михайловича, искусство не может конкурировать с наукой. Искусство - это человеческая жизнь, создание пластического духовного воздействия, идентичного силе воздействия действительности. Иначе говоря, искусство - это жизнь человека в жизни, наука же - это изучение жизни человека в окружающей его действительности. Теория контактности Белютина исходит из того, что искусство – самая яркая форма проявления творческой потенции, тот атомный взрыв, который происходит в надсознании человека и составляет существо искусства. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — это творческий принцип художников «Новой реальности». В их произведениях человеческие чувства обретают форму пластических символов. 

Элий Михайлович Белютин скончался на 86-м году жизни. 

Художник оставил заметный след в живописи, был известен как в России, так и за пределами страны.

Гриша (Григорий Давидович) Брускин (род. 1945)

 Скульптор, живописец, график и литератор. Вошел в круг художников неофициальной волны как выразитель еврейской культуры в постмодернизме. В творчестве Гриши Брускина зритель сталкивается с двумя темами, одна из них связана с мифом об иудаизме, другая — с коммунистическим. Художник создает образы-фантомы, возникающие словно из сна, напоминающие гипсовые фигуры в традициях социалистического реализма.

  
  «Брускин - художник, обладающий исключительной интуицией, конструирующий свой мир и умеющий через свои произведения поднять важнейшие проблемы, всегда волновавшие человечество, и подать их в форме, которая опирается на невероятную эрудицию и интеллект. При этом с особенной, присущей только ему изобретательностью, креативностью, умением сочетать высокое и низкое, возвышенное и ироничное. Художник, способный привести зрителя в состояние эмоционального потрясения, заставить испытать катарсис, высшую степень эстетического переживания. А это, наверное, самое важное, что с нами может сделать искусство», — пишет о художнике Зельфира Трегулова.

Гриша Брускин родился в 1945 году в Москве. В 1968 году окончил художественное отделение Московского текстильного института. 
В 1988 году на прошедшем в Москве аукционе Sotheby’s его работа «Фундаментальный лексикон», впервые представленная в 1987 году на выставке «Художник и современность» в выставочном зале «На Каширке», была продана за рекордно высокую цену.

     
 Скульптурный проект Гриши Брускина «Время Ч», вошедший в коллекцию фонда «Прометей», стал лауреатом премии Кандинского в номинации «Проект года» в 2012 году.

  Темой скульптурного проекта “Время Ч” является миф о враге во всех его ипостасях: враждебное государство, классовый враг; враг подсознания, "другое" как враг, "неизвестное" как враг, Время, Кронос. Смерть в качестве врагов. Враг рода человеческого и т.д. Задача художника - проанализировать, как создается и мифологизируется образ врага. И, наоборот, как создаются и мифологизируются праведный воин и праведное воинство: от простого солдата до святого воителя. И как святой воитель превращается в Противника. 
Отправной точкой для данной работы явились советские плакаты по Гражданской обороне, которые в пору детства художника окружали человека в общественных местах. На плакатах были изображены гипотетические моменты жизни, которую советский гражданин должен проживать, когда настанет "Время Ч", когда враг нападет на нас. Это был свод правил в картинках, генеральная инструкция. Библейские заповеди. В детстве эти картинки производили на художника сильнейшее впечатление. 

  Работы Гриши Брускина находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного музея изобразительных искусства имени А.С. Пушкина, Музее Людвига (Кельн), Государственных музеях Берлина, Музее современного искусства (Нью-Йорк), Музее Зиммерли университета Ратгерс (Нью-Брансвик), Музее еврейской культуры (Нью-Йорк) и др., во многих частных собраниях в России и за рубежом.

Художник живет и работает в Нью-Йорке и Москве.

Российский художник-импрессионист, живописец, участник всесоюзных и республиканских картинных выставок.

Тяга к рисованию у Арона появилась в довольно раннем возрасте. Уже в 14 лет Арон начал заниматься в Доме художественного воспитания детей Советского района Москвы

Арон Бух писал только то, что любит — цветы, обнаженных женщин, лес и старую Москву. Но больше всего — свою жену Майю.

Затем Арон Бух увлекся импрессионизмом и постимпрессионизмом.

Арон Бух выработал свою, собственную манеру создания картин. Он считал себя неповторимым, уникальным явлением.

Творчество московского художника Арона Буха известно ценителям искусства во всём мире: его работы — в коллекции испанской королевы, а в США его окрестили «русским Ван Гогом». Составляющие неповторимого стиля Арона Буха — яркая палитра чистых цветов и пастозная манера живописи

Скульптор, график, живописец, художник книги, театральный художник, реставратор.

    Советский художник и теоретик искусства, один из видных мастеров «неофициального искусства». Сын педагога и психолога Г. П. Вейсберга (1884—1942). 

В 1920-е годы отец, знающий немецкий язык, заинтересовывается идеями З. Фрейда, производя попытки их внедрения в советский строй. Позже, из Наркомпросса, где он работал под покровительством О. Шмидта, его перевели на преподавательскую работу, где он также смог проявить себя как редактор педагогического журнала «Советская педагогика». 

Мать, Мария Яковлевна, из сибирской семьи Бурцевых, — библиотекарь в Институте труда и гигиены. Во время Великой Отечественной войны В. Вейсберг хотел попасть на фронт, но был отправлен на выкапывание противотанковых окопов. Во время одной из бомбежек Вейсберга сильно контузило, что стало причиной дальнейшего обращения к невропатологу. Позже художник не единожды ложился в больницу. 

С 1943 по 1948 год учился в студии ВЦСПС у художника С. Н. Ивашева-Мусатова, позднее ходил в мастерскую А. А. Осмеркина, где ранее преподавал живопись И. И. Машков. Посещал «домашнюю академию» В. Я. Ситникова. 

В 1946 году Художественный институт им. В. И. Сурикова возобновил академические занятия. В первый послевоенный набор В. Вейсберг не прошел по конкурсу. 

С 1959 по 1984 год преподавал живопись в студии Института повышения квалификации Союза архитекторов СССР, с 1964 по 1966 преподавал на Курсах телевидения Москвы. 

С 1961 года — член Союза художников СССР. Участник группы «Восемь». Первая персональная выставка в СССР состоялась уже после кончины художника — в 1988 году. Большая часть работ Вейсберга находится за границей в частных собраниях. 

Владимир Григорьевич Вейсберг умер в Москве 1 января 1985 года. 

Похоронен в Москве, на Введенском кладбище, участок № 11.

Русский художник, один из классиков второй волны русского авангарда.

Игорь Александрович Вулох  (1938-2012) — признанный художник-нонконформист поколения «шестидесятников».

  В отличие от многих нонконформистов, Игорь Вулох не стремился в своих работах отразить политические реалии, грусть социального бытия, ломку устоев и невыносимое человеческое одиночество. Его нонконформизм – эстетический. Не являясь художником-концептуалистом, он оказался в стороне от неофициальных художественных объединений, разработав собственный, уникальный визуальный язык. Единым взглядом охватывая суть природы и момента, художник в полной мере отражал ее на полотне, используя минимум художественных средств. 

 Визуальная составляющая его работ – композиция, цвет, структура, пространство – имеет приоритет над смыслообразующей. Он не высказывается, не пишет манифестов, но как истинный живописец переносит на полотно образы реальных предметов материального мира, их эмоциональную составляющую, совокупность ощущений. В его картинах нет конфликта форм и цвета. Это гармоничные ритмические системы, выстроенные на игре света и фактуры, плоскости и рельефа. Художник не называл свои картины абстракциями, он использовал термин «медитативная условность». 

Игорь Вулох родился в Казани. Детство его выпало на годы Великой отечественной войны. Когда в 1942-ом году его отец погиб на фронте, а мать оказалась в больнице, четырехлетним ребенком он попал в детский дом как беспризорник. Матери удалось разыскать его лишь спустя несколько лет после войны.

В 1953 году Игорь Вулох поступил в Казанское художественное училище. Его первым наставником стал Виктор Подгурский, профессор Шанхайской академии искусств, вернувшийся в 1947 году из Китая; он познакомил Вулоха с восточной философией и принципами традиционной азиатской живописи.В 1958 году  Вулох поступает на художественный факультет ВГИК; учеба обеспечила художнику тесную связь с миром литературы и искусства.Игорю Вулоху повезло со временем и друзьями: в своё время помощь ему оказали Сергей Конёнков, Константин Юон, Георгий Нисский. Большое влияние на становление личности и творчество оказали Василий Шукшин, Анатолий Зверев, Вячеслав Клыков, Наталья Туколкина-Охота.

В 1968 году Игорь Вулох приступил к созданию первой серии «белых произведений», положивших начало «Белому периоду», с окончательным уходом в свет, рельеф и бесконечность. В собрании фонда «Прометей» находится целый ряд работ, относящихся к началу 70-х годов.Цвет зимы надолго стал доминировать в его живописи как отражение чистоты природы, сдержанности красок и как белый лист духовного пространства. Часть этих работ имеет двойную датировку — художник вернулся к ним и завершил свои эстетические поиски через двадцать лет (в том числе «Светлая композиция» 1972-92 г. из собрания ММСИ). 

В коллекции фонда «Прометей» представлены все основные периоды творчества мастера, начиная с ранних, ещё фигуративных работ начала 1960-х, обещавших рождение талантливого мастера реалистического плана (работавшего в традициях Н. Фешина), до поздних живописных полотен 2000-х годов, когда художник вновь обратился к живой экспрессии и цвету после продолжительного периода минимализма и экспериментов, растянувшегося в его карьере на десятки лет и получившего название «белого Вулоха».

Графика мастера из собрания фонда — ряд насыщенных цветом абстрактных композиций на бумаге, датированных 1997 годом. Они как бы несут в себе световой источник, создавая эффект многослойности, воздушности и вызывают вполне конкретные образы, например, смены времен года. «Искусство я отношу к товару, который человеку жизненно необходим. Оно протянет тебе руки, когда ты захочешь броситься вниз», — говорил Игорь Вулох, и следовал своей формуле о высоком предназначении искусства всю свою творческую жизнь, не изменяя своим взглядам, чтобы не происходило.

Работы И. Вулоха хранятся в Третьяковской галерее и Русском музее, в известных частных коллекциях, выставлялись на аукционах Сотбис и МакДуггалл, аукционном доме Егоровых и Бруун Расмуссен в Дании, а в Скандинавии до сегодняшнего дня даже существует целая школа его последователей.

 Андрей Борисович Гросицкий (1934-2017)

  Андрей Гросицкий – «поэт вещи» в современном искусстве. Сам художник называл свои работы «картинами-объектами», сочетая в них живопись и рельеф. Используя широкий диапазон фактурных приемов, художник придает изображаемым предметам осязаемую выпуклость: живописный объем предстает как объем скульптурного рельефа. Живопись Гросицкого демонстрирует свою осязаемую трехмерность. Один из определяющих элементов художественной системы Гросицкого — активное включение иллюзорного.
Андрей Гросицкий никогда не писал манифестов, не предлагал канона авторских интерпретаций. Живопись для него — не средство, не «медиа», не пассивный материал для манипуляций. Она — само бытие.

  Живопись Гросицкого – это сознательная многослойность, которая живет во времени, как ржавчина на железе, где следы старения все равно следы жизни, а не умирания. Предметы новые, потом потертые, потом деформированные, брошенные и ржавые – это следы жизни со всем сопутствующим ей драматизмом. Главная тема художника – это пограничная ситуация между вчера и завтра.

В 1959 году Андрей Гросицкий окончил МГХИ имени В.И. Сурикова (мастерская Д. К. Мочальского). С 1962 по 1994 год работал педагогом в Заочном Народном университете искусств вместе с Н.Касаткиным, М.Рогинским, Б.Турецким, Е.Измайловым и И.Чуйковым. Это давало ему возможность независимо заниматься искусством. В 1968 году вошел в Московский Союз художников.

  Исходно ситуация Гросицкого-художника определялась увлечением Сезанном, в еще большей мере — опытами адаптации сезанновской системы художниками «Бубнового валета». Отдав дань сезаннизму и метафизическому искусству на протяжении 60-х годов, с начала следующего десятилетия он вырабатывает собственный пластический язык, строящийся на соотношении пространства и предмета. Сам Гросицкий называет переломным 1969 год. Год, говоря словами художника, «отказа от сложной живописности, многоцветия, перехода к более лаконичному пластическому языку».

С 1990-х годов Андрей Гросицкий начинает использовать фактурную живопись, применяя неживописные материалы, с помощью которых художник нарушает живописную поверхность и "выходит" за пределы формата.

  Работы Андрея Гросицкого находятся в Jane Voorhees Zimmerli Art Museum at Rutgers University (Нью-Брансуик, Нью-Джерси, США), Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Музее ART4 (Москва), Государственном Русском музее и других собраниях.

Советский художник-авангардист и график. 

Родился 3 ноября 1931 года в Москве в Сокольниках в семье инвалида гражданской войны, мать — рабочая. Учился в школе рисованию на уроках художника-графика Николая Васильевича Синицына (ученика А. П. Остроумовой-Лебедевой). Далее поступил в художественное ремесленное училище. На экзамене получил высокий разряд — маляра-альфрейщика (маляра по художественной отделке). Работал в доме пионеров, потом в парке «Сокольники». Прослужил на флоте восемь месяцев, демобилизовался по болезни. 

В 1954 поступил в Московское областное художественное училище памяти 1905 года, откуда вскоре был исключен за богемно-анархическое поведение. Зверев был женат два раза. В 1957 году он женился на Людмиле Назаровой, «смешливой, курносой Люсе». У них родились сын Михаил и дочь Вера. Семейная жизнь длилась недолго. Зверев почти не видел своих детей. Свой бездомный образ жизни он объяснял тем, что жить он мог только у матери в однокомнатной квартире, а дом этот был ему не люб. Поэтому появлялся он там крайне редко, а ночевал у друзей, знакомых, собутыльников и вообще где придется. Одевался в то, что дадут. Участник квартирных выставок 1959—1962 годов. Первая зарубежная персональная выставка Анатолия Зверева состоялась в 1965 году в парижской галерее «Motte» по инициативе Игоря Маркевича. 

В 1957 году гравюры Анатолия Зверева экспонируются на Молодёжной выставке в Москве, устроенной к VI Международному фестивалю молодежи и студентов, в 1959 году репродукции его картин на своих страницах поместил американский новостной журнал «Life», а в 1961 году три зверевские акварели приобретает Нью-Йоркский музей современного искусства. Зверева выставляют в Нью-Йорке, Париже, Копенгагене, Вене, Лондоне, Брюсселе. 

На родине единственная прижизненная персональная выставка состоялась в 1984 году в Горкоме графиков. Семнадцать лет сожительствовал с вдовой Николая Асеева — Ксенией Михайловной Синяковой (1892—1985), которая была его старше на 39 лет, до самой её смерти в 1985 году. Это ей посвящено стихотворение Асеева «За косы её золотые, за плечи её молодые». Велимир Хлебников посвятил ей пятую часть поэмы «Синие оковы», так как она одна из пяти сестёр Синяковых («И жемчуг северной Печоры / Таили ясных глаз озёра…»). Cкончался при не совсем ясных обстоятельствах в возрасте пятидесяти пяти лет. По словам его друга — художника Сергея Пахомова, Зверев в последние годы жизни злоупотреблял спиртными напитками и «умер от того, что не смог приобрести спиртного на опохмелку» (в Москве тогда были проблемы с приобретением спиртных напитков по причине антиалкогольной кампании). 

Похоронен на Долгопрудненском кладбище. 

Творческое наследие Анатолия Зверева насчитывает более 30 тысяч работ. Разнообразие обстоятельств создания работ художника, материалов при этом использованных и смешение школ делает затруднительным достоверную искусствоведческую экспертизу для отделения настоящих работ от подделок, присутствующих на рынке. В этих условиях «знаточество» становится единственным способом работы с наследием А. Т. Зверева. Зверев одним из первых советских художников усвоил художественные уроки Джексона Поллока; во многих отношениях был близок к ташизму. 

С середины 1950-х гг. «основным спонсором, коллекционером и пропагандистом» Зверева был Георгий Костаки, считавший его первым русским экспрессионистом. Апологеты Зверева утверждают, что сам Пикассо отзывался о нём как о великом русском рисовальщике, а Роберт Фальк пафосно заявлял, что каждое прикосновение его кисти священно. 

В 2013 году в Москве был открыт частный Музей АZ (Анатолия Зверева).

Советский и российский художник-абстракционист. 

Юрий Злотников считается одним из первых абстракционистов периода «оттепели». Системный подход к организации художественного языка выделяет творчество Злотникова на фоне других проявлений абстракционизма в рамках неоавангарда, чем в некоторой степени наследует живописным системам В. В. Кандинского и П. Мондриана. Его работы оказали влияние на развитие российского современного искусства второй половины XX века и начала нынешнего столетия. В начале 60-х разрабатывает «сигнальную систему», в которой сочетал художественный подход и научные методы. 

Родился 23 апреля 1930 года в родильном доме Грауэрмана на Арбате, в семье учёного в области машиностроения Савелия Львовича Злотникова, уроженца Коломны, выпускника МХТИ, и Этели Лейбовны (Львовны) Злотниковой (урождённой Рубинштейн), родом из Кременчуга.

Двоюродный брат поэта Льва Рубинштейна (1947—2024). С 1943 по 1950 год учился в Московской средней художественной школе при Академии художеств СССР. Одновременно занимался в скульптурной студии при музее А. С. Голубкиной под руководством А. И. Григорьева. Слушал лекции в ГМИИ имени А. С. Пушкина, посещает дом Фаворских-Ефимовых. 

С 1951 по 1959 год работал главным художником-дизайнером на ВДНХ в павильоне «Наука». 

1954—1956 гг. — работал в Большом театре в качестве стажёра-декоратора, работает вместе с А.Тышлером, В. Рындиным. И. Рабиновичем, 1961—1979 гг. — руководил детской изостудией Дома пионеров Ленинского района Москвы, 1955—1970 гг. — сотрудничал в качестве книжного иллюстратора в московских издательствах, 1974—1989 гг. — сотрудничал с мастерской эстампа комбината графических искусств МОСХ. 

Член Союза художников СССР с 1974 года. В середине 1950-х годов начал после посещения лекций по кибернетике и математике заниматься абстрактным искусством. 

Его интересы в ближайшем круге единомышленников разделяли художники В. Слепян и Б. Турецкий, в частности, совместно с Владимиром Слепяном проводились так называемые «сеансы одновременной живописи», которые можно назвать наиболее радикальными экспериментами в европейском искусстве тех лет, на стыке беспредметного и перформативного искусства. 

В 1956—1957 годах разрабатывал «Сигнальную систему» в изобразительном искусстве, в рамках которой происходит основательное сближение научной и художественной парадигм. Совместно с психологами он проводил эксперименты, пытаясь понять, как человеческий мозг воспринимает посылаемые картинами сигналы. 

В 1958 году организовал Всесоюзную выставку электросварки в павильоне «Механизация и электрификации сельского хозяйства» на основе «Сигнальной системы». Работы из серии «Сигналы» включены в коллекцию Центра Помпиду. 

С начала 1960-х годов художник увлекался инженерной психологией, промышленным дизайном: делал проекты оформления школы, заводских помещений. 

Занимался преподавательской работой в Московском отделении Союза художников СССР, членом которого стал только в 1972 году. 

В 1960–1980-е годы экспериментировал с фигуративной живописью, впоследствии вернулся к переосмыслению модернистской абстракции и создавал не только живописные работы, но и принты на холсте. 

В 1998 году он получил серебряную медаль Российской Академии Художеств. 

Умер 25 сентября 2016 года в возрасте 86 лет в Москве. 

Ретроспективы Юрия Злотникова были экспонированы в Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Государственном Русском музее, Доме художника (Иерусалим) и др.

    Русский художник, представитель «неофициального» искусства, называвший свои композиции «метафизическими натюрмортами».

    Сам термин «натюрморт» произошел от французского nature morte, что переводится как «мертвая природа», и Дмитрий Краснопевцев изображает предметы отстраненно, вне времени, лишая их индивидуальности: взору зрителя предстает не сам предмет, но его архетип, идея предмета, незыблемая, вечная, не подверженная смерти и уничтожению. 
  В натюрмортах Краснопевцева соединяются европейская и древнерусская традиции, рождая симбиоз искусства и философии. Его работы, изображающие  существующие вне времени черепки, камни, ветви, нити и свитки напоминают голландские натюрморты ХVII века в жанре vanitas (лат. — суета, неосновательность), содержащие символику бренности бытия: черепа, увядшие цветы, портящиеся фрукты. 

Дмитрий Краснопевцев вырос в районе Остоженки. С детства мальчика окружала атмосфера старины: его дед собирал коллекцию антикварных предметов — книг, монет, камней, раковин. Обширная библиотека привила Дмитрию любовь к чтению, а собрание артефактов — «любовь к предмету», уникальной вещи. Впоследствии художник перевез коллекцию деда в новую квартиру, и сам постоянно пополнял ее интересными предметами, которые находил сам или принимал в дар от друзей. Предметы, которые собирал Краснопевцев, были чрезвычайно разнообразны: книги, камни, керамика, древесные корни, высушенные листья и насекомые, раковины, черепа животных и многое другое.

  Дмитрий получил основательное академическое образование – сначала в училище памяти 1905 года, потом – в суриковском институте, где преуспел в занятиях офортом. Эта старинная техника отсылает к спокойным эпохам классического искусства. Живопись Краснопевцева была, в своих основах, продолжением его офортной деятельности. Ранние работы отражают и увлечение живописца французскими художниками — Дереном, Сезанном, Матиссом. Постепенно работы художника покинули яркие цвета и человеческие образы, он сосредоточился исключительно на изображении предметного мира. В конце 1950-х его внимание окончательно захватил жанр натюрморта.

  Краснопевцев превратился в заметную фигуру в художественной среде нонконформистов, однако он держался в стороне от официальных и неофициальных групп. Окончив училище, Дмитрий Краснопевцев 20 лет работал на «Рекламфильме» художником по афишам.

  Зрелая манера художника сложилась в 1960-х годах. Создание большей части его произведений на 1970–80-е.

 Начав выставляться, Краснопевцев быстро прославился в СССР и за рубежом, его работы приняли участие в наиболее значимых выставках нонконформистов. С 1976 года он стал членом и регулярным участником выставок Горкома художников-графиков на Малой Грузинской, в 1977 году его произведения экспонировались на «диссидентской» биеннале в Венеции. При этом в 1982 году Краснопевцев был принят в Союз художников.

  На знаменитом аукционе «Sotheby’s» в Москве 1988 года в числе прочих были проданы три работы Краснопевцева. В 1992 году последовательно открылись две персональные выставки его произведений: сначала в Центральном доме художника, а потом и в ГМИИ им. А. С. Пушкина. В том же году Краснопевцев стал первым художником — лауреатом негосударственной российской премии «Триумф». В 1994 году работы художника впервые пополнили собрание Пушкинского музея — при ГМИИ открылся Музей личных коллекций, куда Святослав Рихтер подарил часть своей коллекции живописи и графики Краснопевцева.

  Работы художника входят в собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Циммерли в Нью-Джерси, США, а также во многих других музейных и частных коллекциях. За рубежом творчество художника представляют, в частности, ABA Gallery в Нью-Йорке и галерея Sandmann в Берлине.

    Советский и американский скульптор. 
Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1995). Член Латвийской академии наук. Участник Великой Отечественной войны.

Эрик Неизвестный учился в школе № 16 Свердловска. С 1939 по 1942 год участвовал во Всесоюзных конкурсах детского творчества. С 1942 года учился в Средней художественной школе при В. А. Х. в Ленинграде (в 1941—1944 годах школа со всем коллективом находилась в эвакуации в Самарканде).

В августе 1942 года был призван в Красную армию. В этот период сменил имя на Эрнст, поскольку имя Эрик «звучало по-детски», однако мать и друзья по-прежнему называли его Эриком. Направлен на обучение курсантом в 1-е Туркестанское пулемётное военное училище (город Кушка, Марыйская область, Туркменистан). После окончания училища в октябре 1943 года младший лейтенант Неизвестный направлен в действующую армию в подразделения десантных войск на только что сформированный 4-й Украинский фронт. 14 марта 1944 года назначен командиром стрелкового взвода 260-го гвардейского стрелкового полка 86-й гвардейской стрелковой дивизии 5-й ударной армии. В дальнейшем в составе дивизии принимал участие во многих боевых операциях 2-го и 3-го Украинских фронтов, в том числе в штурме Будапешта. В конце Великой Отечественной войны 22 апреля 1945 года в Австрии был тяжело ранен (три межпозвоночных диска выбито, семь ушиваний диафрагмы, полное ушивание лёгких, открытый пневмоторакс), объявлен мёртвым и посмертно награждён орденом Красной Звезды, который был ему вручён через 25 лет, и медалью «За отвагу». После ранения три года ходил на костылях, с перебитым позвоночником, принимал морфий, борясь со страшными болями, стал заикаться.

В 1962 году, после конфликта с Никитой Хрущёвым, Неизвестный исключен из Союза художников, лишён мастерской, после чего работал на заводе, литейщиком, каменщиком. Под псевдонимом помогал официальным художникам. В течение года за Неизвестным велась слежка, в последний год пребывания в СССР скульптора избивали на улице, ломали пальцы на руках.

17 июня 1973 года Неизвестный подал документы на выезд в Израиль. 10 марта 1976 года, после трёх лет пребывания в отказниках, скульптор покинул СССР и через Цюрих, Швейцария эмигрировал в США. С 1977 года Эрнст Неизвестный проживал в Нью-Йорке и работал в Колумбийском университете.

В 1996 году был советником по культуре президента РФ Бориса Ельцина.

Свой 80-летний юбилей отпраздновал в России. В последние годы жизни Неизвестный тяжело болел и перенес операцию на головном мозге. О последних годах Неизвестного существуют две версии. По одной версии, которую высказал племянник Неизвестного Андрей Рылов, жена скульптора Анна Грэм била мужа и выгнала из его дома Ольгу Неизвестную, единственную дочь скульптора. По версии ухаживавшей за Неизвестным Тамари Лабадзе, Анна преданно ухаживала за больным мужем.

Неизвестный скончался 9 августа 2016 года в Нью-Йорке, на 92-м году жизни. Отпевание происходило по православному чину в Никольском соборе на Манхеттене. Похоронен в США на Шелтер-Айленд.

Русский художник, член «Лианозовской группы», представитель неофициального искусства, один из классиков второй волны русского авангарда.

Владимир Немухин родился 12 ноября 1925 года и провёл раннее детство в деревне Прилуки Серпуховского р-на Московской области, затем с семьёй переехал в Москву. В 1943—1946 занимался в московской изостудии ВЦСПС у Петра Соколова. В пятидесятые годы зарабатывал на жизнь как оформитель, декоратор и плакатист. В 1957 поступил в Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова (вскоре был исключён за несогласие с принципами соцреализма).

C 1965 участвовал в зарубежных выставках (США, Польша, Италия, Франция). Член «Лианозовской группы», сложившейся в середине 1960-х вокруг Евгения Кропивницкого. Активно участвовал в приватно-квартирных и публичных выставках авангардного искусства, в том числе — в «Бульдозерной выставке» (1974). Почётный член Академии художеств РФ (2008).

В 1990-х годах подолгу жил в Германии (г. Ратинген, Северный Рейн-Вестфалия). С 2005 года постоянно проживал в Москве. 

Художник умер 18 апреля 2016 года в Москве на 91-м году жизни. 21 апреля в храме Ильи Пророка во 2-м Обыденском пер. прошло отпевание Владимира Немухина. 

Похоронен на Ваганьковском кладбище.

Дмитрий Петрович Плавинский, советский и российский художник и график поколения нонконформистов-шестидесятников, представитель неофициального искусства. Создатель направления структурного символизма.

Дмитрий Плавинский определял разрабатываемое им направление в искусстве как «структурный символизм», где целостный образ мира расщепляется в последовательность символических образов, погруженных в пласты времён — прошлого, настоящего и будущего. Удивительны по мастерству исполнения офорты и тушевые рисунки Плавинского, его живописные и графические работы отличаются на редкость сложной фактурой и техникой исполнения. Их многозначительность и метафизика как-то исторически увязаны с материалом и продолжают классику — Дюрера, Гойи, Рембрандта.

Советская художница, ученица К. С. Петрова-Водкина и П. Н. Филонова. Живописец, график, художник книги.

Родилась 15 (28) апреля 1902 года, в Санкт-Петербурге. Мать — Цецилия Карловна Рейнгольдсен (1880—1971), происходила из семьи обрусевших шведов, отец — Иван Адамович Порет (1870—1924), врач-фармацевт, работавший в заводской больнице при Путиловском заводе. Брат, Виктор Иванович Порет (1906—1973), военный врач.

В 1911—1918 годах училась в Анненшуле.

В 1918—1919 годах занималась на подготовительном отделении Художественной школы-мастерской (бывшей Рисовальной школы при Императорском Обществе Поощрения Художеств).

В 1920 г. поступила в Художественно-промышленный техникум в Петрограде, откуда в 1921 г. была переведена без экзаменов в ВХУТЕИН. Училась у А. И. Савинова, К. С. Петрова-Водкина.

В 1925 году защитила диплом во ВХУТЕИНЕ, дипломная работа — «Четверо за столом» («Игроки»), 1925.

В 1926 г. вступила в общество «Круг художников». С конца 1926 года занималась в мастерской Павла Филонова.

С 1926 г. была замужем за искусствоведом Аркадием Матвеевичем Паппе, овдовела в январе 1927 г.

В 1927 году, оставив «Круг», вступила в члены группировавшегося вокруг Филонова коллектива Мастеров аналитического искусства, и вместе со всем коллективом МАИ участвовала в апреле 1927 года в художественном оформлении Дома Печати в Ленинграде.

Иллюстрировала детские книги с 1925 года, с 1928 года начала работу в Детгизе (первая книга сделана в сотрудничестве с художницей Т. Н. Глебовой), работала также с детскими журналами «Ёж» и «Чиж». В 1932 г. вместе с тринадцатью другими учениками Филонова участвовала в оформлении книги «Калевала» (издательство «Academia», 1932—1933).

В 1933 г. вышла замуж за художника Петра Павловича Снопкова.

C 1935 по 1961 г. была замужем за композитором Борисом Сергеевичем Майзелем. Развод в 1961 г.

Во время войны, в 1942 году эвакуировалась из блокадного Ленинграда в Свердловск, вернулась в 1944 году.

С 1945 по 1984 год жила в Москве, в последние годы — на ул. Огарёва, д. 13.

Иллюстрировала детские книги, работала в живописи. В 1974 году прошла первая персональная выставка художницы в Центральном доме архитектора. В 1980 году — персональная выставка в МОССХ. Работы художницы приобретаются различными музеями страны (Нукус, Петрозаводск, Архангельск, Тбилиси).

Умерла 15 февраля 1984 года в Москве. Похоронена на Ваганьковском кладбище (участок 58а).

Советский и российский художник, представитель ар-брюта.

Родился в 1951 году в Наро-Фоминске, в семье учительницы и директора местной фабрики игрушек. В 14 лет оставил школу, жил случайными заработками. С 1969 занимался в художественной студии при наро-фоминском Доме культуры. Неоднократно пытался поступить в Московское художественное училище имени 1905 года. Попадал в психиатрические лечебницы.

В 1989 году Пурыгин эмигрировал в США. Жил в Нью-Йорке. Сотрудничал с галереей Эдуарда Нахамкина.

Умер 31 мая 1995 года в Москве. Похоронен на Кунцевском кладбище (10 уч.).

Малолетняя дочь художника Евдокия осталась круглой сиротой: незадолго до того её мать, жена Пурыгина Галина, погибла в автокатастрофе. Девочку удочерила семья немецкого журналиста и непрофессионального актёра Норберта Кухинке, который дружил с Леонидом, и его супруги Кати (Катарины) — крестной матери Дуни.

Советский и французский художник, один из основателей неофициальной художественной группы «Лианозово». Один из организаторов «Бульдозерной выставки» (1974). Кавалер ордена Российской академии художеств «За служение искусству» (2013).

Родился 2 января 1928 года в Москве в семье врачей, выпускников Цюрихского университета Якова Рахмиловича Рабина (родом из Украины) и Вероники Мартыновны Андерман (из Латвии). Отец умер, когда будущему художнику было 5 лет, мать — когда ему было 13 лет (1941). В начале сороковых жил в Трубниковском переулке (дом № 24, квартира 16), учился в художественной студии Евгения Кропивницкого, увлёкся романтизмом.

С 1946 по 1948 год учился в Рижской Академии художеств. В этот период придерживался строгого реалистического метода, много работал над натюрмортами. В Академии латышские студенты звали его «наш Репин». В 1948 году Сергей Герасимов принял Рабина на второй курс Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова. В 1949 году был исключён «за буржуазный формализм», после чего возвратился к своему первому учителю Е. Кропивницкому.

Пресса критиковала Рабина за очернение Советского Союза, депрессивность картин, подыгрывание буржуазным критикам социализма.

В 1964 году работы Оскара Рабина впервые были представлены на зарубежной выставке. Это произошло в Лондоне, на групповой выставке «Аспекты современного советского искусства». В 1965 году владелец лондонской Grosvenor Gallery Эрик Эсторик организовал в своей галерее первую персональную выставку Рабина. На ней были представлены 70 работ художника. В это же время Рабин переехал из Лианозова в Москву.

В 1967 году вступил в Горком художников книги, графики и плаката. Принял участие в групповой выставке, подготовленной Александром Глезером на Шоссе Энтузиастов, однако выставку закрыли через два часа после открытия.

В конце 60-х Рабину удалось получить заказы на оформление нескольких поэтических книг («Сохрани весну» Владислава Фатьянова, «Забота» Тамары Жирмунской). В отличие от Эль Лисицкого или Виктора Пивоварова Рабин не смог сделать из иллюстрирования постоянный заработок, хотя неоднократно обращался в издательства в поиске заказов.

В 1969 году Городской комитет КПСС постановил, что любая выставка может быть разрешена только после просмотра руководством МОСХ. Именно тогда Рабин высказал идею выйти с картинами на улицу, вместо того чтобы устраивать официальные выставки. 

Осенью 1974 года Рабин стал инициатором и одним из главных организаторов известной выставки работ художников-нонконформистов в Битцевском лесопарке («Бульдозерная выставка»).

В январе 1977 года Рабина задержали по обвинению в тунеядстве и посадили под домашний арест. После отказа эмигрировать в Израиль заменили домашний арест ночью в КПЗ. Через несколько дней Рабин получил предложение туристической визы в Европу и согласился уехать.

Персональные выставки Рабина проходили в Джерси-сити (1984), после падения Железного занавеса — в Москве (1991), Петербурге (1993) и других городах. Впоследствии он участвовал в юбилейной выставке на Гоголевском бульваре в 1995 году, посвященной 20-летию выставки живописи в павильоне "Пчеловодство" на ВДНХ вместе с Эдуардом Дробицким, Юлией Долгоруковой и другими художниками-нонконформистами.

В 2016—2017 году вошедшая в коллекцию Центра Помпиду картина Оскара Рабина «Эмигрантский натюрморт» (1990) открывала выставку «КОЛЛЕКЦИЯ! Современное искусство в СССР и России: новый дар музею» в Центре Помпиду в Париже. Выставка проходила при поддержке Государственного Русского Музея, в Санкт-Петербурге и Музея АЗ в Москве. На экспозиции были представлены новые произведения из мастерской Рабина, картины из собрания Катерины и Александра Усач, семейства Минчиных, а также из коллекции организатора выставки и директора агентства Russian Day Марка Ивасилевича.

Умер 7 ноября 2018 года во Флоренции накануне собственной выставки «Два пути» во Флорентийском филиале Санкт-Петербургского института живописи. 

Похоронен на кладбище Пер-Лашез.

 Евгений Львович Рухин (1943-1976)

 Евгений Рухин – ленинградский живописец, график и мастер ассамбляжа. Он был одним из инициаторов и организаторов выставки, вошедшей в историю под именем Бульдозерной.
В своем творчестве Евгений Рухин прошел путь от абстракционизма и сюрреализма до коллажа и поп-арта. Образы Евгения Рухина — это выброшенные на свалку предметы, «объекты, отвергнутые цивилизацией как бесполезные». Работы Рухина воспринимались как социальный протест, и в то же самое время как ностальгия по прошлому России.

Евгений Рухин родился в 1943 году семье известных советских геологов, и пошел по стопам своих родителей. Окончил геологический факультет ЛГУ, работал геологом-изыскателем. Будучи студентом, на геологических практиках, он начал рисовать. В 1964–1965 годах был вольнослушателем в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище. Тогда же увлёкся изучением русской иконы.

 Евгений Рухин сформировался как художник самостоятельно, изучая западный модернизм по репродукциям и общаясь с другими художниками андеграунда. Жил и работал в Ленинграде, но тесно дружил с московскими художниками: Владимиром Немухиным, Лидией Мастерковой и Оскаром Рабиным, который оказал на Рухина большое влияние и чья дружба помогла ему вырасти как художнику.

 Осенью 1966-го года нью-йоркская галеристка Бетти Парсонс приезжала в Ленинград в качестве туристки, и увезла с собой работы Рухина. Следующей зимой его северные пейзажи с церквушками в духе Рериха были выставлены в её галерее. 
Для творчества Рухина конца 1960-х годов характерны композиции в духе поп-арта. «Обломки советского быта», пятна краски, будто оставленные после ремонта, фрагменты дореволюционной мебели, слепки с металлических рельефных иконок – этот синтез русской духовности, советской экзотики и западного поп-арта станет одним из самых успешных товаров на рынке работ неофициальных художников, вывозившихся на Запад дипломатическими багажами. Основным собирателем работ художника стал знаменитый коллекционер русского авангарда Нортон Додж, который впоследствии передал свою коллекцию Музею Зиммерли при Ратгерском университете в США.

 Художник погиб при пожаре в мастерской в возрасте 32 лет. Обстоятельства трагедии так и остались невыясненными. Следствие склонялось к версии поджога. 
После смерти художника десятки его выставок с большим успехом прошли в Европе, США, Японии. Персональная выставка произведений Рухина в Санкт-Петербурге прошла в 1996 году.

Коллекции
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Московский музей современного искусства, Москва
Музей «Другое искусство», Москва
Музей Джейн Вурхис Зиммерли, Нью-Брансуик, Нью-Джерси, США
Новый музей, Санкт-Петербург
Собрание Валерия Дудакова и Марины Кашуро
Собрание Леонида Талочкина
Галерея современного искусства ARTSTORY, Москва

   Творческий путь этого художника-графика, иллюстратора, живописца поколения «шестидесятников» отличается закономерной целостной эволюцией. Все творческие периоды художника объединяет мотив постоянного присутствия смерти как вечной категории.

  
  «Глубокая уверенность в существовании за миром материальным иного, высшего смысла выявляет родство искусства Свешникова с мировоззрением русского символизма… Все творческое наследие Свешникова можно рассматривать как один трагический текст, раскрывающий его мировоззрение», — пишет о художнике искусствовед Анна Чудецкая.

Отец художника происходил из дворянской семьи и до революции мечтал стать священником, позже работал бухгалтером. Мать родилась в многодетной семье заводского механика. Дар рисовальщика у Бориса проявился рано, школой ему послужили Пушкинский музей и семейная библиотека, особенно книги об искусстве Северного Возрождения.

  В конце 1944 года Борис Свешников поступил в Московский институт прикладного и декоративного искусства, однако закончить обучение ему не удалось. Зимой 1946 года он был арестован по ложному обвинению в «антисоветской пропаганде», провел год в тюрьме и был приговорен к работам в лагере строгого режима. В лагерях ГУЛАГа Борис Свешников провел восемь лет. 
Во время пребывания в лагере Свешниковым были созданы сотни рисунков и десятки живописных произведений. Работы переправлялись в Москву, к родителям художника. Этот цикл рисунков получил название «Лагерная сюита». Сам художник соотносил свои лагерные рисунки с образами сновидений, предварив их эпиграфом из Шекспира: «Мы сами созданы из сновидений, и эту нашу маленькую жизнь сон окружает...»

  После освобождения из лагеря в 1954 году художник два года прожил в Тарусе, городке, ставшим пристанищем для тех, кому было запрещено жить в больших городах. Соседом Свешникова оказался Аркадий Акимович Штейнберг, также вернувшийся из лагеря. Впоследствии Штейнберг помог художнику получить работу иллюстратора в издательстве «Художественная литература».
  В 1956 Борис Свешников был реабилитирован, и вернулся в Москву. Не примыкая ни к официальному кругу, ни к сообществу нонконформистов, художник смог реализовать свой дар рисовальщика и живописца. С 1958 он был членом Союза художников СССР. В этом же году он впервые экспонировал свои работы на выставке «ЭКСПО-58» в Брюсселе. В 1959 принял участие в 5-й выставке произведений молодых художников Москвы, в 1961 — в выставке произведений московских художников в Народном театре в Тарусе. С 1969 года Свешников активно принимал участие в групповых выставках по всему миру, представлял и свои персональные экспозиции.

  Работы Свешникова хранятся в Музее русского искусства в Джерси-сити и Музее Циммерли университета Рутгерса (штат Нью-Джерси, США), а также в собрании общества «Мемориал», Государственном центре современного искусства и других коллекциях.

Русский художник, живописец и график. Представитель послевоенного неофициального искусства. В 1975 году эмигрировал в Австрию, затем — в США.

Родился в крестьянской семье. В 1921 вместе с семьёй переехал в Москву.

В 1933 учился в Московском судомеханическом техникуме; увлекался изготовлением моделей парусников. Поступить во ВХУТЕМАС в 1935 году не удалось. Работал на строительстве метро, художником-мультипликатором и модельщиком у режиссёра А. Л. Птушко, показывал диапозитивы на лекциях профессоров Художественного института имени В. И. Сурикова (отсюда кличка «Вася-фонарщик»).

Он был признан душевнобольным и направлен на принудительное лечение в Казань. В 1944, вернувшись в столицу, перебивался случайными заработками. В период «оттепели» примкнул к «неофициальному» искусству.

С 1951 года художник много преподавал, осуществив свою мечту о «домашней академии». Со «школой Ситникова» был связан — как прямым ученичеством, так и творческими контактами — целый ряд видных мастеров (В. Г. Вейсберг, Ю. А. Ведерников, М. Д. Стерлигова, А. В. Харитонов и др.).

В 1975 мастер эмигрировал в Австрию, в 1980 — в США. Наиболее ценную часть своей коллекции икон (включая «Спаса из Гавшинки») отдал в Музей древнерусского искусства имени Андрея Рублева. Собственные же его вещи «рассеялись» почти бесследно — не считая репродукций и отдельных работ в музеях (в Нью-Йоркском музее современного искусства, музее Циммерли при Рутгерском университете штата Нью-Джерси и др.).

Умер в Нью-Йорке. Урна с его прахом перевезена родными в Москву и захоронена на Ваганьковском кладбище (уч. 14).

24 мая 2009 в галерее «Наши Художники» в Москве открылась первая персональная выставка произведений Василия Ситникова.

Один из наиболее известных представителей направления соц-арт.

Леонид Соков начинал творческую карьеру, как скульптор-анималист. Обучаясь в МСХШ, он часто посещал зоопарк, где рисовал зверей с натуры. На комбинатах МОСХа Соков изготовлял скульптуры животных для парков и детских площадок, где профессионально взаимодействовал с мэтрами советской анималистики заслуженным художником РСФСР Андреем Марцем и скульптором Георгием Попандопуло, которые принимали у него модели будущих скульптур. 
В конце 1960-х годов скульптор постепенно меняет приоритеты с анималистики на соц-арт, вырабатывая свой собственный стиль. Работы Сокова в жанре соц-арта пользовались популярностью на Западе. Большое количество работ Сокова этого периода скупил американский коллекционер Нортон Додж. До выезда из СССР Леонид Соков работал под призмой советской цензуры, не позволявшей скульптору выставлять свои работы официально. В конце 1970-х годов Леонид Соков в связи с творческими разногласиями внутри СССР эмигрирует в США, где продолжает развивать тот же жанр, которому он остаётся верен до конца жизни.

С распадом СССР скульптора неоднократно приглашали в Россию, где некоторые его работы уже выставлялись официально в различных музеях, включая Третьяковскую галерею, Московский музей современного искусства и др

Советский эстонский художник, график, один из крупнейших представителей неофициального искусства СССР. В 1949 году был репрессирован. Реабилитирован в 1956 году.

Художник и скульптор. Дмитрий Шорин учился на художественно-графическом факультете Педагогического института имени Горького в Омске (1987—1988), в Академии бытового обслуживания Омска по специальности художник-проектировщик костюма (1988—1990). В 1990 году он переехал в Санкт-Петербург и окончил образование в Академии бытового обслуживания Санкт-Петербурга по той же специальности (1990—1992).

В 1993 году Шорин вступил в Товарищество художников «Свободная культура», занимавшее пространство Арт-центра «Пушкинская, 10». С 1999 года его работы неоднократно выставлялись на аукционах Sotheby's и Phillips de Pury. Результаты аукционов Sotheby's 2020, Sotheby's 2021.

В 2008 году он стал самым молодым художником, удостоенным персональной выставки в Мраморном дворце Государственного Русского музея.

Участник первой и третьей Московских биеннале современного искусства. В 2009 году был номинирован на премию Кандинского в категории «Проект Года».

В 2013 году его проект «I believe in angels» был представлен на 55-й Венецианской биеннале.

Русский художник, представитель неофициального искусства.

Родился 15 марта 1934 года в городе Балахна (Горьковской области). Сын Игоря Михайловича и Вероники Александровны Яковлевых. Внук пейзажиста Михаила Яковлева (1880—1941), одного из основателей российского импрессионизма. Сестра — Яковлева Ольга Игоревна. Племянница — Полубояринова (Абросимова) Екатерина Станиславовна. После того как семья в 1944 году переехала в Москву, работал курьером в издательстве «Искусство», посещал мастерскую Василия Ситникова. В 1950-е годы работал ретушёром в издательстве «Искусство» и учился в мастерской художника Василия Ситникова. С 1945 года наблюдался и периодически проходил лечение в психиатрических больницах. В продолжение последних тридцати лет жизни был почти слеп.

В Москве познакомился с художниками Михаилом Гробманом (оставившим записи о нём в своих дневниках), Анатолием Зверевым, поэтом Геннадием Айги (Яковлев делает рисунки к его стихам, в 1966 году создает портрет поэта), композитором и клавесинистом Андреем Волконским (на его квартире проходит в 1959 году выставка работ Яковлева), встречался с чешским теоретиком авангарда Индржихом Халупецким.

В 1963 году была организована первая официальная экспозиция Яковлева в СССР — однодневная выставка совместно с Эдуардом Штейнбергом в Музее Ф. М. Достоевского. За рубежом работы художника были представлены на выставке «Русский авангард в сегодняшней Москве» в Галерее Гмуржинска (Кёльн, 1970) и др.

Яковлев писал преимущественно гуашью по бумаге или оргалиту, предпочитая сдержанные, прохладные тона. Прошёл через период беспредметной живописи (лирического абстракционизма в манере Дж. Поллока), пережил влияние Пикассо. Зрелые вещи художника созданы в русле «новой фигурации» — авангардного течения, вернувшегося от абстракции к предмету, воспринятому с новым драматизмом. Его портреты, натюрморты, а также знаменитые «цветы» впечатляют глубиной одинокого существования в живописном пространстве, скрытой энергией сопротивления.

Работы Владимира Яковлева хранятся во многих российских и зарубежных музеях, в частных коллекциях в России и за рубежом. В 1990—1991 годах работы художника были показаны на выставке «Другое искусство. Москва 1956—1976», организованной ГТГ и ГРМ.

В 1995 году прошла его персональная выставка в Третьяковской Галерее в Москве.